El concepto del Renacimiento, que pretendía lograr el renacimiento o recreación de la antigua cultura clásica, se originó en Florencia a principios del siglo XV y desde entonces se extendió por la mayor parte de la península italiana; a finales del siglo XVI el nuevo estilo se extendió por casi toda Europa, sustituyendo gradualmente al estilo gótico de la Baja Edad Media. Alentó un resurgimiento del naturalismo, visto en la pintura y escultura italiana del siglo XV, y de las formas y ornamentos clásicos en la arquitectura, como la columna y el arco de medio punto, la bóveda túnel y la cúpula.
El conocimiento del estilo clásico en la arquitectura se derivó durante el Renacimiento de dos fuentes: las ruinas de los antiguos edificios clásicos, en particular en Italia, pero también en Francia y España, y el tratado De architectura (c. 27 a.C.; «Sobre la arquitectura») del arquitecto romano Vitruvio. Para la antigüedad clásica y, por lo tanto, para el Renacimiento, el elemento básico del diseño arquitectónico era el orden. Durante el Renacimiento se utilizaron cinco órdenes, el toscano, el dórico, el jónico, el corintio y el compuesto, prevaleciendo varios en diferentes períodos. Por ejemplo, la calidad ornamental y decorativa del orden corintio fue adoptada a principios del Renacimiento, mientras que la simplicidad y fuerza masculina del dórico fue preferida durante el Alto Renacimiento italiano. Siguiendo la antigua práctica romana (por ejemplo, el Coliseo o el Teatro de Marcelo), los arquitectos renacentistas a menudo superponían el orden, es decir, utilizaban un orden diferente para cada uno de los varios pisos de un edificio, comenzando con el orden toscano o dórico, más pesado y fuerte, que estaba debajo, y luego subiendo por el orden jónico, corintio y compuesto, más ligero y decorativo.
Para el Renacimiento, la proporción era el factor predeterminado más importante de la belleza. El gran humanista y arquitecto italiano Leon Battista Alberti definió la belleza en la arquitectura como esa armonía razonada de todas las partes de un cuerpo, de modo que nada puede ser añadido, quitado o alterado, sin empeorar el resultado.
Con la autoridad de Vitruvio, los arquitectos del Renacimiento encontraron una armonía entre las proporciones del cuerpo humano y las de su arquitectura. Había incluso una relación entre las proporciones arquitectónicas y el dispositivo pictórico renacentista de la perspectiva; el pintor italiano Piero della Francesca dijo que la perspectiva representaba los objetos vistos de lejos «en proporción a su respectiva distancia». De hecho, fue un arquitecto del Renacimiento italiano, Filippo Brunelleschi, quien fue el primero en formular la perspectiva. La preocupación de estos arquitectos por la proporción llevó a la clara y medida expresión y definición del espacio y la masa arquitectónica que diferencia el estilo renacentista del gótico y fomenta en el espectador una comprensión inmediata y completa del edificio.
El Renacimiento fue un gran momento en la historia de la arquitectura para la expresión de la teoría arquitectónica. Inspirados por el redescubrimiento o la reevaluación del tratado de Vitruvio, muchos arquitectos registraron sus teorías de la arquitectura; algunas se conservaron en manuscrito (por ejemplo, las de los arquitectos italianos del siglo XV Francesco di Giorgio y Filarete), pero la mayoría fueron publicadas. El tratado de Alberti De re aedificatoria (Diez libros de arquitectura), basado en Vitruvio, fue escrito a mediados del siglo XV y publicado en 1485. Pero fue durante los últimos tres cuartos del siglo XVI que la teoría arquitectónica floreció. Los italianos Sebastiano Serlio, Giacomo da Vignola y Andrea Palladio publicaron famosos libros de arquitectura en esa época. En otros lugares, se publicaron obras de los franceses Jacques Androuet du Cerceau, Philibert Delorme y Jean Bullant; el flamenco Vredeman de Vries; el alemán Wendel Dietterlin y el inglés John Shute.
El primer renacimiento en Italia (1401-95)
El Renacimiento comenzó en Italia, lugar donde se encuentran muchos de los monumentos y de las ruinas clásicas en la arquitectura. Un edificio gótico como la Loggia dei Lanzi en Florencia se caracterizó por un gran arco de medio punto en lugar del habitual arco ojival gótico y conservó la simplicidad y monumentalidad de la arquitectura clásica. Se podría haber esperado que el Renacimiento apareciera primero en Roma, donde había la mayor cantidad de antiguas ruinas romanas; sin embargo, durante el siglo XIV y principios del XV, cuando los italianos se vieron impulsados a renovar el clasicismo, la situación política en Roma era muy desfavorable para el esfuerzo artístico. Florencia, sin embargo, bajo el liderazgo de la familia Medici, era económicamente próspera y políticamente estable.
En 1401 se celebró un concurso entre escultores y orfebres para diseñar un par de puertas para el antiguo baptisterio de Florencia. El escultor Lorenzo Ghiberti ganó, y un orfebre perdedor, Filippo Brunelleschi, demostrando ser el líder en una de las artes, se dedicó entonces al estudio de la arquitectura. Brunelleschi pasó el período entre 1402 y 1418 alternando entre Florencia y Roma. Durante este tiempo estudió matemáticas intensamente y formuló la perspectiva lineal, que se convertiría en un elemento básico del arte del Renacimiento. Al mismo tiempo, Brunelleschi investigó la antigua arquitectura romana y adquirió el conocimiento de la arquitectura clásica y el ornamento que utilizó como base para la arquitectura del Renacimiento. También fue influenciado por la tradición local florentina, que había florecido en los siglos XI y XII en el llamado estilo toscano proto-renacentista que se encuentra en iglesias como San Miniato al Monte. La gran oportunidad de Brunelleschi llegó en 1418 con el concurso para la finalización de la Catedral de Santa María del Fiore (el Duomo) de Florencia. Los arquitectos medievales habían previsto una gran cúpula sobre el cruce de la catedral, pero nunca se había creado, y nadie sabía cómo lograrlo. Ganando el concurso, Brunelleschi comenzó la gran cúpula en 1420 (los toques finales no se aplicaron hasta los años 60 y 70, después de su muerte). La cúpula florentina todavía pertenece a la tradición gótica, ya que fue construida con una construcción nervada y una forma de arco apuntado, pero la introducción de un tambor, que hizo que la cúpula fuera más prominente, se convertiría en una característica de la cúpula renacentista.
Brunelleschi también produjo otros ejemplos notables del estilo renacentista en Florencia. La logia del Ospedale degli Innocenti (1419-51) fue el primer edificio al estilo del Renacimiento; se diseñó una arcada muy grácil con columnas compuestas, y las ventanas con frontones clásicos se espaciaban regularmente sobre cada uno de los arcos. Este estilo se aprovechó más en la iglesia de San Lorenzo (c. 1421 a c. 1460). Utilizando la tradicional planta basilical, la planta y las elevaciones se organizaron en un sistema de proporciones con la altura de la nave igual al doble de su anchura. Todo el ornamento es clásico, con columnas corintias, pilastras y molduras clásicas. Brunelleschi utilizó el orden corintio casi exclusivamente. Todas las molduras, marcos de puertas y ventanas, y los órdenes son de una piedra suave de color gris azulado (piètra serena) que contrasta con una pared de estuco claro. Los rasgos ornamentales tienen muy poca proyección, siendo más bien líneas en una superficie. El color se utilizó en la arquitectura florentina para subrayar la relación lineal en lugar de para usos generales de patrones (como en la arquitectura del norte de Italia).
El plan tradicional para las iglesias medievales era el plan de cruz latina, como en San Lorenzo; el brazo más largo de la cruz formaba la nave de la iglesia. Durante la Edad Media este plan era considerado una referencia simbólica a la cruz de Cristo. Durante el Renacimiento el plano ideal de la iglesia tendía a ser centralizado; es decir, era simétrico respecto a un punto central, como lo es un círculo, un cuadrado o una cruz griega (que tiene cuatro brazos iguales). Muchos arquitectos del Renacimiento llegaron a creer que el círculo era la forma geométrica más perfecta y, por lo tanto, la más apropiada para la dedicación a un Dios perfecto. Brunelleschi también trabajó con el plan central. En la Capilla Pazzi (1429-60), construida en el claustro medieval de Santa Croce en Florencia, el plan se aproxima al tipo central. En el interior es en realidad un rectángulo, ligeramente más ancho que profundo; en su parte posterior hay una bahía cuadrada para el santuario, y en la parte delantera hay un pórtico. Hay tres cúpulas, una grande sobre el centro de la capilla y otras pequeñas sobre el santuario y sobre el centro del pórtico en el exterior. Su planta, pero no su espacio interior, se asemeja a una cruz griega. En el exterior, la gran cúpula está cubierta por un techo cónico con una linterna en la parte superior. El pórtico tiene un entablado horizontal sostenido por seis columnas corintias pero roto en el centro por un arco de medio punto que centraliza la composición, repite la forma de la cúpula del pórtico de atrás y da un ascenso a la fachada horizontal.
Poco después del comienzo de la Capilla Pazzi, Brunelleschi comenzó una iglesia de planta central, la de Santa Maria degli Angeli (iniciada en 1434) en Florencia, que nunca fue terminada. Era muy importante porque era la primera iglesia de plano central del Renacimiento, el tipo de plano que domina el pensamiento renacentista. La planta es un octógono en el interior y 16 lados en el exterior, con una bóveda de claustro probablemente destinada a cubrir el centro.
Un ejemplo destacado de arquitectura secular fue el Palacio Médici (1444-59; ahora llamado Palacio Medici-Riccardi) en Florencia por Michelozzo, un seguidor de Brunelleschi. Creado para Cosimo de Médici, un gran líder político y mecenas de Florencia, el palacio se organizó en torno a un patio central, el tradicional plan palaciego florentino.
Los palacios florentinos medievales se construían con grandes bloques de piedra rústica, como si acabaran de ser cortados en la cantera, dando la impresión de fortificación. Con el Renacimiento, aparecieron algunos cambios fundamentales. Michelozzo coronó su palacio con una enorme cornisa horizontal de estilo clásico y regularizó las aberturas de la ventana y la entrada. Incluso la rusticación de la mampostería se diferenció en cada uno de los tres pisos. La planta baja tiene la rusticación pesada habitual; el segundo piso está marcado por un trabajo de piedra bosquejado con bloques lisos perfilados por líneas incisas; y el tercer piso tiene un trabajo de piedra de sillería sin indicaciones de los bloques. A diferencia de la rusticación medieval, la del Renacimiento, que distinguía cuidadosamente entre los pisos, establecía una relación lógica entre ellos.
Este tratamiento renacentista de la fachada de un palacio fue llevado más lejos en el Palazzo Rucellai (1446-1455) de Florencia, siguiendo el diseño del gran arquitecto Alberti. Los órdenes clásicos fueron aplicados al alzado del palacio por Alberti, utilizando pilastras de los diferentes órdenes superpuestas en los tres pisos, de modo que se estableció otra relación entre los pisos diferenciados, desde la corta y fuerte pilastra toscana en la planta baja hasta la alta y decorativa corintia en la parte superior. Para Alberti la belleza de la arquitectura consistía en una relación armoniosa entre las partes, siendo la ornamentación, incluidos los órdenes clásicos, auxiliar de las relaciones proporcionales.
La culminación del estilo de Alberti se ve en Mantua en la basílica de San Andrés (iniciada en 1472, completada en el siglo XVIII), una obra maestra del Renacimiento temprano que ejercería mucha influencia en la arquitectura religiosa posterior. Es importante como una brillante aplicación del antiguo motivo del arco de triunfo romano tanto a la fachada de una iglesia como a su articulación interior. El plano, tal y como se ha completado, es una cruz latina con un largo brazo para la nave flanqueada por capillas laterales, pero el crucero en el extremo del santuario fue tratado como un plano central con la nave añadida. Se desconoce si este plano corresponde a la intención de Alberti, ya que sólo la parte de la nave fue erigida en el siglo XV. La fachada es de proporción cuadrada, con una amplia bahía en el centro que duplica la anchura de cada una de las bahías laterales. La elevación interior se organizó sobre este mismo sistema alternado, la llamada bahía rítmica que iba a ser popularizada a principios del siglo XVI por Bramante. Como resultado de este sistema, hay una estrecha correspondencia entre la composición interior y exterior de San Andrés.
Desde Florencia, el estilo del Renacimiento temprano se extendió gradualmente por Italia, llegando a ser predominante en la segunda mitad del siglo XV. En la arquitectura del norte de Italia había un mayor interés en el patrón y el color. El color se acentuaba con el uso de incrustaciones de mármol abigarradas, como en la fachada de la iglesia de la Certosa di Pavía (iniciada en 1491) o en la mayor parte de la arquitectura veneciana. El material de construcción preferido en el norte de Italia era el ladrillo con adornos y decoración de terracota, una combinación mediante la cual se creaba un patrón de luz y oscuridad en todo el edificio. En las ocasiones en que se utilizó la piedra, como en el Palacio Bevilacqua de Bolonia (c. 1479-84), los bloques se cortaron con facetas que formaban un patrón de diamante en la fachada. Esto era en realidad un tratamiento decorativo de la rusticación. Incluso los órdenes clásicos se vieron afectados por este enfoque decorativo. Las pilastras clásicas solían tener paneles de candelabros y arabescos decorados en delicado relieve en las superficies de sus fustes; el tercio inferior de una columna era frecuentemente tallado con escultura en relieve.
Los artistas florentinos, como Filarete con su proyecto para el Ospedale Maggiore de Milán (iniciado en 1457), trajeron a la región de Lombardía la decoración clásica y un ligero conocimiento de la arquitectura renacentista. El estilo fue transferido a Venecia por arquitectos lombardos como Pietro Lombardo y Mauro Codussi. La iglesia de Santa María de los Milagros (1481-89) en Venecia, con su fachada revestida de mármol de color, es típica de la obra de Lombardo.
El palacio veneciano, ejemplificado por el Palazzo Corner Spinelli (finales del siglo XV) y el Palazzo Vendramin Calergi (c. 1500-09), ambos obra de Codussi y ambos con grandes y numerosas ventanas, era más abierto que los palacios encontrados en el centro de Italia.
En Roma, en la segunda mitad del siglo XV, había varios palacios renacentistas notables, principalmente derivados del estilo de Alberti, que pasó extensos períodos en Roma como miembro de la corte papal. El Palazzo Venezia (1455-1503) tiene un exterior más bien medieval, pero dentro del palacio se encuentra un patio característicamente renacentista (1468-71), de la cual sólo se completaron dos lados que formaban un ángulo. Se ha sugerido, sin pruebas definitivas, que Alberti pudo haber proporcionado el diseño de esta corte; al menos revela su influencia en la plena comprensión del estilo clásico. El patio consta de dos pisos de arcos de medio punto sostenidos por pilares, sobre los que se fijan medias columnas clásicas superpuestas, toscanas abajo y jónicas arriba. El modelo de esta arcada es el antiguo Coliseo de Roma. La sensación de masa creada por los pesados muelles contrastaba con el efecto más ligero de la corte del Renacimiento temprano típico de Florencia, que tiene arcos apoyados en columnas. El Palazzo della Cancelleria (1495) muestra su dependencia del estilo de Alberti en su fachada, que se asemeja en parte a su Palazzo Rucellai en Florencia. El piso inferior simplemente tiene una piedra bosquejada o nivelada y cuadrada, pero los dos pisos superiores tienen pilastras corintias bastante planas, así como la piedra bosquejada. A diferencia del palacio Rucellai, los tramos compuestos por las pilastras se alternan anchos y estrechos, pero esta alternancia ya había sido utilizada por Alberti en San Andrés en Mantua. La influencia de Alberti también es visible en las fachadas de las iglesias de San Agustín (1479-83) y de Santa Maria del Popolo (reconstruida entre 1472 y 1977) en Roma.
Estos ejemplos del primer Renacimiento en Roma se acercaban rápidamente a la simplicidad, monumentalidad y masividad del Alto Renacimiento de principios del siglo XVI. Donato Bramante, que iba a crear este nuevo estilo, estaba activo en Lombardía, en el norte de Italia, pero su trabajo en Milán, como en Santa Maria presso San Satiro (alrededor de 1480-86), seguía siendo a la manera del Renacimiento temprano lombardo. Sin embargo, en esta época estaba en contacto con el gran florentino Leonardo da Vinci, que estaba activo en la corte milanesa. Leonardo estaba entonces considerando el concepto de la iglesia de planta central y llenando sus cuadernos con bocetos de tales planos, que Bramante debió haber estudiado. Cuando Bramante se mudó a Roma a finales del siglo XV, su estudio de las ruinas antiguas, combinado con las ideas de Leonardo y el creciente clasicismo de la arquitectura romana del Renacimiento temprano, resultó en el florecimiento del Alto Renacimiento.
El Alto Renacimiento en Italia (1495-1520)
La arquitectura del alto renacimiento apareció por primera vez en Roma en la obra de Bramante a principios del siglo XVI. El período fue muy breve, centrado casi exclusivamente en la ciudad de Roma; terminó con las tensiones políticas y religiosas que sacudieron a Europa durante la tercera década del siglo, culminando con el desastroso saqueo de Roma en 1527 y el asedio de Florencia en 1529. El Alto Renacimiento fue un período de armonía y equilibrio en todas las artes, tal vez el punto álgido desde el siglo V a.C. en Grecia.
El liderazgo político y cultural se desplazó de Florencia a Roma, particularmente debido a la sucesión de poderosos papas que querían desarrollar el papado como un poder secular. El más grande de todos fue Julio II (1503-13), que fue igualmente un fabuloso mecenas de las artes. Casi todos los principales artistas italianos se sintieron atraídos por Roma. Con la excepción de Giulio Romano, ninguno de los artistas importantes activos en Roma en ese momento era romano de nacimiento.
Bramante, el líder de esta nueva forma, ya había adquirido una reputación arquitectónica en Milán. Casi inmediatamente después de su llegada a Roma, en 1499, hubo un cambio asombroso en la obra de Bramante, ya que se convirtió en el ejemplo del estilo del Alto Renacimiento y perdió sus cualidades lombardas del primer Renacimiento. El Tempietto (1502), o pequeña capilla, junto a San Pietro in Montorio, tipifica el nuevo estilo. Levantado en el supuesto lugar del martirio de San Pedro, el Tempietto es de planta circular, con una columnata de 16 columnas que rodea un pequeño santuario interior cerrado. La capilla debía estar en el centro de un patio circular, que a su vez debía estar rodeado por una columnata, de modo que toda la estructura debía ser autónoma y centralizada. El patio circular de cierre nunca se erigió. La última inspiración del Tempietto fue un templo circular romano, como los templos de Vesta en Roma o Tívoli, pero se hicieron tantos cambios notables que la capilla renacentista fue una creación original. En el exterior estaba organizada en dos pisos: la columnata dórica forma el primer piso, sobre la cual hay una cúpula semicircular levantada en lo alto de un tambor. El actual gran remate, o adorno de coronación, de la cúpula es de fecha posterior y destruye parte de la simplicidad de la masa. Los nichos tallados en la pared del tambor ayudan a enfatizar la solidez y fuerza del conjunto, así como el pesado orden dórico del que Bramante era tan aficionado, en contraste con Brunelleschi, que tenía predilección por el ornamentado corintio. El monumento es muy simple, armonioso y comprensible.
Varias iglesias presentan las mismas cualidades que el Tempietto en una escala física mayor. La iglesia de Santa María de la Consolación (1504-1617) en Todi, probablemente de Bramante, también está centralizada en planta, siendo cuadrada con un ábside semicircular o poligonal que se abre a cada lado. La masa está formada por formas geométricas simples coronadas por el cilindro de un tambor y una cúpula ligeramente puntiaguda. En el interior, la cualidad sobresaliente es una sensación de amplitud tranquila y armoniosa. El arquitecto florentino Antonio da Sangallo el Viejo, influenciado por Bramante, creó su iglesia de San Biagio en Montepulciano (1518-29) en un plano de cruz griega. En la fachada, en los dos huecos de los brazos de la cruz, debían levantarse dos torres, la de la derecha nunca se completó. Por lo demás, la masa es similar a la de Todi, con cúpula y tambor encima. Todas las molduras y elementos ornamentales fueron tallados con fuerte proyección, de modo que en el interior pesados arcos romanos, con profundos cofres que contienen rosetas, definen las bóvedas de túnel que se elevan sobre los brazos de la iglesia. Las iglesias de Todi y Montepulciano son iglesias o santuarios de peregrinación y, por lo tanto, tienen la planificación centralizada característica de las iglesias construidas sobre la tumba de un mártir o santo.
La iglesia de Sangallo en Montepulciano recuerda a la gran obra de Bramante, la reconstrucción de San Pedro en Roma. A principios de 1505 el Papa Julio II comenzó a considerar la cuestión de una tumba para sí mismo que fuera apropiada para su poder y la nobleza de su posición. El escultor Miguel Ángel pronto presentó un gran proyecto para una tumba independiente, pero tal monumento requería un escenario apropiado. El artista renacentista y biógrafo Giorgio Vasari afirmó que la cuestión de un lugar apropiado para esta tumba proyectada trajo a la mente del Papa la idea de reconstruir San Pedro, que estaba en muy malas condiciones. Bramante, por lo tanto, preparó los planos de una iglesia monumental a finales de 1505, y en abril de 1506 se colocó la primera piedra. El primer diseño de Bramante fue una cruz griega en planta, con torres en las cuatro esquinas y una tremenda cúpula sobre el cruce, inspirada en la del antiguo Panteón Romano pero en este caso levantada sobre un tambor. Siendo el plan de la cruz griega rechazado, Bramante finalmente planeó alargar un brazo para formar una nave con un cruce centralizado. A su muerte, en 1514, Bramante sólo había completado los cuatro pilares principales que debían sostener la cúpula, pero estos pilares determinaron la forma en que los arquitectos posteriores intentaron completar la iglesia.
Varios edificios seculares notables eran tan importantes como las iglesias de planta central de este período. En el Palacio Apostólico del Vaticano, junto a San Pedro, Bramante añadió dos características importantes. El gran patio del Belvedere (iniciada en 1505) fue planeada para reunir los dos elementos dispares del palacio más antiguo adjunto a la iglesia y la villa del Belvedere de Inocencio VIII en la colina sobre el palacio. Bramante le dio al nuevo patio un sabor neo-antiguo que recordaba a los palacios imperiales en las colinas de Roma y al hipódromo en el Palatino. Adosada a la ladera de la colina en tres niveles unidos por escaleras monumentales, estaba encerrada en los dos lados largos por logias portificadas con órdenes superpuestas. Este gran patio se completó a finales del siglo XVI con algunos cambios menores, pero en 1587 todo el concepto fue destruido por la construcción de la actual Biblioteca Apostólica Vaticana en el centro del edificio. Justo antes de su muerte, Bramante también comenzó una serie de logias superpuestas adheridas a la cara del antiguo Palacio del Vaticano que daba a la ciudad y al río. Como fue completado por Rafael, hay dos arcadas superpuestas con órdenes toscano y jónico y una columnata con columnas compuestas.
El palacio más grande del Alto Renacimiento es el Palazzo Farnese (1517-89) en Roma, diseñado y comenzado por un seguidor de Bramante, Antonio da Sangallo el Joven, sobrino del viejo Sangallo. A la muerte de Sangallo, en 1546, Miguel Ángel llevó el palacio hacia su finalización, haciendo importantes cambios en el tercer piso. En el exterior Sangallo renunció al uso de los órdenes clásicos para dividir la fachada en un número de tramos iguales; utilizó en cambio una fachada más parecida a la de los florentinos, pero con cuñas, o bloques de piedra tallada en bruto en los bordes del edificio, para confinar la composición de forma renacentista.
La fachada está compuesta en proporciones como un doble cuadrado. En el interior, el patio central cuadrado es más clásico, utilizando órdenes superpuestas. Basado en el antiguo teatro romano de Marcelo o el Coliseo, los dos primeros pisos tienen una arcada sostenida por pilares rectangulares contra los cuales hay medias columnas. En el tercer piso Miguel Ángel eliminó la arcada y utilizó pilastras flanqueadas por medias pilastras, lo que destruyó la idea del Alto Renacimiento de la separación y definición cuidadosa de las partes.
Uno de los edificios más encantadores de la época es la Villa Farnesina (1509-11) en Roma de Baldassarre Peruzzi de Siena. Diseñada para el fabuloso banquero sienés Agostino Chigi, la villa fue escenario de numerosos y elaborados banquetes para el Papa y los cardenales. Siendo una villa suburbana, la Farnesina fue planeada en relación a los jardines que la rodean con dos pequeñas alas que sobresalen del bloque central para flanquear la logia de entrada. Originalmente, otra logia se abría al lado de los jardines que se extendían hasta la orilla del Tíber, pero esta fue posteriormente amurallada. La elevación aparece como dos pisos comparados en bahías iguales por pilastras toscanas. La calidad pulcra y reservada del edificio actual fue originalmente aligerada por la decoración de frescos pintados en todas las superficies de las paredes exteriores. Otros edificios importantes fueron diseñados por el pintor Rafael, como la Villa Madama (iniciada en 1518) en Roma o el Palacio Pandolfini (iniciado en 1516) en Florencia.
El manierismo italiano o el Renacimiento tardío (1520-1600)
El manierismo es el término aplicado a ciertos aspectos del estilo artístico, principalmente italiano, en el período entre el Alto Renacimiento de principios del siglo XVI y los comienzos del arte barroco a principios del XVII. A partir de la tercera década del siglo XVI, las tensiones políticas y religiosas estallaron violentamente en Italia, en particular en Roma, que fue saqueada en 1527 por las tropas imperiales de Carlos V. La escuela de Bramante y Rafael, que había producido el estilo del Alto Renacimiento, se dispersó por toda Italia mientras los artistas huían de la devastada Roma. El manierismo apareció y prevaleció en algunas regiones hasta finales del siglo XVI, cuando se desarrolló el estilo barroco. El manierismo era contrario a muchos de los principios del Alto Renacimiento. En lugar de armonía, claridad y reposo se caracterizó por una extrema sofisticación, complejidad y novedad. Los arquitectos manieristas no estaban menos interesados en la arquitectura clásica antigua que sus predecesores, pero encontraron otras cualidades en la antigua arquitectura romana para explotar. De hecho, a menudo mostraban un conocimiento de la antigüedad aún mayor que el de los artistas anteriores.
Para Vasari, como arquitecto manierista en ejercicio, el mismo criterio de estilo en el diseño podía aplicarse tanto a un edificio como a una obra de pintura o escultura. Vasari diseñó y construyó para una élite educada, que apreciaría tanto su comprensión de las reglas de la arquitectura romana como las ingeniosas libertades que se tomó con estas reglas. La arquitectura florentina y romana del siglo XVI se caracteriza por una inteligencia secular – un edificio fue juzgado por su elegancia, ingenio y variedad de formas.
El cambio de estilo entre el Alto Renacimiento y el Manierismo se puede ver en la obra de Baldassarre Peruzzi, quien estuvo activo en ambos períodos. A diferencia de su Villa Farnesina del Alto Renacimiento, el diseño de Peruzzi para el Palacio Massimo alle Colonne (alrededor de 1535) en Roma muestra indicios de manierismo. La fachada del palacio se curvó para adaptarse al lugar en el que se erigió; en lugar de mantener la forma pasiva que había tenido en las primeras fases de la arquitectura renacentista, la superficie de la pared empezaba a imponerse. El orden clásico se limita a la planta baja del palacio; los tres pisos superiores tienen una imitación de piedra bosquejada de ladrillo cubierta de estuco, inscrita para simular el cortejo de piedra. Bajo estos tres pisos, en el centro de la fachada, hay una logia o columnata, que parece de dudosa adecuación como soporte de la aparente carga. El segundo piso tiene ventanas rectangulares coronadas por el habitual dintel de Peruzzi apoyado en volutas, pero las ventanas de los dos pisos superiores están dispuestas horizontalmente con molduras curvilíneas bastante elaboradas a su alrededor. Por lo tanto, ya no hay un equilibrio armonioso entre los distintos pisos. La arquitectura muestra un mayor énfasis en las cualidades decorativas que en la expresión de las relaciones estructurales.
Tras el resuelto orden clásico y la armonía mesurada de los edificios del Alto Renacimiento de Bramante, se hacen patentes dos direcciones principales, aunque entrelazadas, del desarrollo manierista. Una de ellas, procedente en gran parte de Peruzzi, se basó en un estudio detallado de los antiguos motivos decorativos -grutescos, gemas clásicas, monedas y similares- que se utilizaron de forma pictórica para decorar el plano de la fachada. Esta tendencia se cristalizó en el Palacio Branconio dell’Aquila (destruido) de Rafael en Roma, donde se abandonó la lógica regular de la fachada de Bramante en favor de ritmos complejos y desfasados y decoraciones superficiales incrustadas de medallones y metales preciosos. Los detallados elementos arcaizantes de este modo fueron retomados más tarde por Pirro Ligorio, por los arquitectos del Palazzo Spada de Roma y por Giovanni Antonio Dosio.
La segunda tendencia explotó la ruptura calculada de las reglas, la toma de libertades sofisticadas con el vocabulario arquitectónico clásico. Dos edificios muy diferentes de la década de 1520 fueron los responsables de iniciar este gusto, la Biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel en Florencia y el Palacio del Té de Giulio Romano en Mantua. La composición de Miguel Ángel se basa en un novedoso reensamblaje de motivos clásicos con fines expresivos plásticos, mientras que la extraña distorsión de Giulio de las formas clásicas es de un tipo más curioso y entretenido. Los diversos aspectos exteriores del Palacio del Te proporcionan una sucesión de estados de ánimo cambiantes, que están ideados para retener la atención del espectador en lugar de presentarle un edificio que pueda ser comprendido a simple vista. En el patio, las secciones de cornisa extrañamente fracturadas crean un aire de pesada tensión, mientras que la logia es ligeramente elegante. Del mismo modo, la decoración ilusionista del interior abarca toda la gama, desde la intensa tragedia (aunque auto-parodiante) hasta la suave delicadeza. Giulio también creó una serie de vistas artificiales, a través de arcos y puertas, muy parecidas a las proyectadas más tarde por Miguel Ángel para el Palacio Farnese en Roma. Tal manejo de los efectos escénicos se convirtió en uno de los sellos de la arquitectura manierista posterior.
Cada vez más, la arquitectura, la escultura y los jardines amurallados llegaron a ser considerados como parte de un conjunto complejo (pero no unificado). En la Villa Giulia (c. 1550-55), el proyecto secular más significativo de su época, Vasari parece haber estado a cargo de la integración escénica de los diversos elementos; Giacomo da Vignola diseñó parte del edificio actual, mientras que el escultor manierista Bartolomeo Ammannati fue el principal responsable de la decoración escultórica. A pesar de la continua vista escalonada, el edificio impacta a través de una sucesión de diversos efectos en lugar de llegar a un clímax de estilo unificado. Allí, y en el diseño de Vasari para el Palacio de los Uffizi (1560), la vista parece haberse basado en el supuesto estilo de las escenografías antiguas, según la interpretación de Peruzzi. No es sorprendente que el arquitecto veneciano Andrea Palladio estuviera más cerca de lograr un estilo totalmente manierista en su Teatro Olímpico de Vicenza, donde las vistas en retroceso y los ricos detalles escultóricos crean un efecto de extraordinaria complejidad. Del mismo modo, no es sorprendente que el más grande de los últimos arquitectos manieristas de Florencia, Bernardo Buontalenti, fuera un reconocido maestro de la escenografía. Trabajó en la corte de los Médici como diseñador de paródicas batallas fluviales y simulacros de intermezzi (óperas cómicas breves) en los que la elaborada maquinaria escénica efectuaba transformaciones milagrosas, figuras que descendían de las nubes para matar dragones que emanaban sangre muy realista, seguidas de música y danzas de la época. Como diseñador de jardines, Buontalenti enriqueció los esquemas formales tradicionales con entretenidas diversiones, en las que el agua a menudo desempeñaba un papel destacado. Los edificios de Buontalenti poseen mucho de este espíritu caprichoso, además de su brillante e inventivo dominio de los detalles plásticos con fluidez.
En su tratamiento de los detalles, los arquitectos florentinos del siglo XVI inevitablemente miraron a Miguel Ángel como un ejemplo de genio innovador. La Capilla de los Médici de Miguel Ángel en San Lorenzo fue ejecutada, en opinión de Vasari, «en un estilo más variado y novedoso que el de cualquier otro maestro», y «así todos los artistas tienen una gran y eterna obligación con Miguel Ángel, viendo que rompió los grilletes y cadenas que antes los habían confinado a la creación de formas tradicionales». Para la época de Vasari la búsqueda manierista de la novedad había llegado a un nivel completamente consciente.
La arquitectura posterior de Miguel Ángel en Roma fue más restringida que sus obras florentinas. En 1546 se le encargó completar la Basílica de San Pedro en Roma, sucediendo a Antonio da Sangallo el Joven. Durante los siguientes 18 años pudo completar la mayor parte de su diseño para la iglesia, excepto la fachada y la gran cúpula de arriba. Volvió a una iglesia de planta central que recordaba el primer proyecto de Bramante pero con menos partes. El alzado de Miguel Ángel, aún visible en la parte trasera o en los lados de la iglesia, se compone de pilastras gigantes y un ático bastante alto. Entre las pilastras hay varios pisos de ventanas o nichos. A diferencia de las armoniosas órdenes y aperturas del Alto Renacimiento, éstas están constreñidas por las pilastras de modo que se crea una tensión en la superficie de la pared. Miguel Ángel planeó una tremenda cúpula semicircular en un tambor como el clímax de la composición. Los grabados de su proyecto original sugieren que esta cúpula habría sido abrumadora en relación con el resto del diseño. La gran cúpula central fue ejecutada hacia finales del siglo XVI por el seguidor de Miguel Ángel, Giacomo della Porta, que dio una expresión más vertical a la cúpula elevándola unos 8 metros más que un semicírculo. A principios del siglo XVII, el arquitecto barroco Carlo Maderno añadió una gran nave y una fachada a la parte delantera de la iglesia, convirtiéndola en un plano de cruz latina y destruyendo la calidad dominante de la cúpula, al menos desde el frente exterior.
El temprano manierismo en el norte de Italia se desarrolló a partir de la disolución de la escuela de Bramante después de 1527. Giulio Romano, el principal asistente de Rafael, se convirtió en artista de la corte y arquitecto en la ciudad de Mantua. Con las obras de Galeazzo Alessi de Génova, Leone Leoni de Milán y Sebastiano Serlio de Bolonia, la arquitectura manierista se afianzó. En 1537 Serlio comenzó a publicar su serie de libros sobre arquitectura, en los que examinaba la antigüedad a través de ojos manieristas y proporcionaba una serie de diseños manieristas en forma de libro de patrones. Tres años más tarde, Serlio se unió al pintor manierista italiano Francesco Primaticcio en Fontainebleau, donde ayudó a consolidar la temprana aceptación de los ideales manieristas en Francia. En la obra de Alessandro Vittoria, la influencia del centro de Italia fue pronunciada. Sus pesadas molduras de techo están compuestas por motivos clásicos y atrevidos trabajos de correa. El gusto del norte por las fantasías extrañas, como la chimenea de Vittoria para el Palacio Thiene– fue a menudo anterior al de Roma y Florencia.
Incluso Venecia demostró ser rápidamente susceptible a los astutos trucos de la licencia manierista. Michele Sanmicheli, alumno de Bramante y Antonio da Sangallo el Joven, regresó después del saqueo de Roma a su ciudad natal de Verona y más tarde fue a Venecia, donde su arquitectura muestra una clara conciencia de los experimentos mantuanos de Giulio Romano. Otro destacado arquitecto de Venecia fue el escultor florentino Jacopo Sansovino, que también había huido al norte de Roma después del saqueo. La arquitectura de Sansovino, representada por la Loggetta (1537-40) a los pies del campanario de San Marcos o por la Antigua Biblioteca de San Marcos (Libreria Vecchia [1536-88]), es rica en cualidades decorativas de superficie. La biblioteca tiene dos pisos de arcadas; no tiene sótano, sino sólo tres escalones bajos, de modo que coincide con el gótico del Palacio Ducal de enfrente. El entablamento superior es extremadamente pesado, igual a la mitad de la altura de las columnas jónicas sobre las que se apoya. La rica aplicación de la escultura en relieve sin superficies murales sin adornos crea esta cualidad decorativa, que sólo tiene afinidades superficiales con el manierismo florentino.
A este período de manierismo libre y decorativo le siguió una arquitectura clásica más restringida que se veía a la perfección en la obra de uno de los más grandes arquitectos del Renacimiento, Andrea Palladio. La ciudad de Vicenza, no lejos de Venecia, fue casi completamente reconstruida con edificios según su diseño, incluyendo la basílica o ayuntamiento (1549) y la Loggia del Capitaniato (1571), así como muchos palacios privados. En el variado diseño de estos edificios y en numerosas villas de la península veneciana en los alrededores de Vicenza, Palladio demostró brillantemente la versatilidad de una serie de fórmulas neo-antiguas. La Villa Capra (1550-51; con cambios posteriores) es magnífica en su simplicidad y en su amplitud. En el centro de un bloque cúbico (típico de la mayoría de las villas palladianas) hay una sala circular, y en los cuatro lados se proyectan frentes de templos clásicos como pórticos, lo que da como resultado una simetría clásica absoluta en el plano. En Venecia, Palladio construyó varias iglesias, todas con la planta de cruz latina y fachadas bastante similares. San Giorgio Maggiore (1566-1610) tiene una fachada de templo romano, sobre cuatro medias columnas gigantes, aplicadas en el centro de la fachada; a los lados se encuentran dos medias fachadas de templo con pilastras acopladas más pequeñas. La composición resultante sugiere la interpenetración manierista de dos fachadas completas de templo, ya que los elementos de la composición son menos independientes de lo que serían en la arquitectura del Alto Renacimiento. También es típica del manierismo la forma en que el espacio interior, en lugar de estar clásicamente confinado, se libera a través de una pantalla de columnas detrás del santuario y un gran coro en la parte posterior. La mayor fama de Palladio reside en su tratado I quattro libri dell’architettura (1570; Los cuatro libros de arquitectura).
El arquitecto más importante de este período en Roma fue Giacomo da Vignola, que escribió un tratado, Regola delli cinque ordini d’architettura (1562; «Regla de los cinco órdenes de arquitectura»), dedicado únicamente a la consideración de los órdenes arquitectónicos y sus proporciones. Como el libro de Palladio, la Regola de Vignola se convirtió en un libro referente para la arquitectura clásica posterior.
De sus muchos edificios, el proyecto de la iglesia de Il Gesù (1568) en Roma, la iglesia central de la orden jesuita, fue muy influyente en la historia posterior de la arquitectura. La planta es de cruz latina con capillas laterales que flanquean la nave, pero el extremo oriental es una planta central, coronada por una cúpula. El plano de Il Gesù fue imitado en toda Europa, pero especialmente en Italia, durante el período barroco temprano del siglo XVII. Vignola construyó la iglesia excepto su fachada, que fue ejecutada por Giacomo della Porta. Della Porta, inspirada en el diseño original de Vignola, creó una fachada concentrada en su centro, que, al igual que el plano, fue el prototipo de la mayoría de las fachadas del barroco temprano de finales del siglo XVI y XVII.
El Renacimiento fuera de Italia
Francia
El estilo arquitectónico renacentista apareció en Francia a finales del siglo XV y floreció hasta finales del siglo XVI. Como en otros países del norte de Europa y en la Península Ibérica, el nuevo estilo renacentista no suplantó por completo al estilo gótico más antiguo, que sobrevivió en muchas partes de Francia durante el siglo XVI. La arquitectura renacentista francesa se divide en dos períodos: el Renacimiento temprano, desde finales del siglo XV hasta alrededor de 1530, y el Manierismo, desde alrededor de 1530 hasta finales del siglo XVI.
Renacimiento temprano
Las numerosas invasiones de Italia desde 1494 hasta 1525 por los ejércitos franceses familiarizaron a los reyes y nobles franceses con los encantos del arte renacentista. Durante los reinados de Luis XII y Francisco I, los franceses poseyeron la ciudad de Milán durante los primeros 25 años del siglo XVI. Fue en Lombardía, por lo tanto, donde se estableció el contacto entre el arte francés y el Renacimiento, y fue el estilo renacentista lombardo el que apareció en Francia durante los primeros años del Renacimiento.
El nuevo estilo tenía cierto prestigio ya que fue importado por la nobleza y la aristocracia, mientras que los burgueses de la clase media continuaron apoyando su estilo gótico nativo. Esta diferencia social también se aplicó a los propios artistas. La aristocracia francesa importó arquitectos y artistas italianos que habían sido influenciados por el Renacimiento italiano y que se consideraban de mayor nivel social que los artesanos. Los constructores y artesanos franceses que ejecutaron los diseños de los italianos todavía pertenecían al nivel social de los artesanos medievales. Esto creó una fricción entre los dos grupos, que fue fomentada por el resentimiento francés hacia los artistas extranjeros importados.
Con excepción de algunos breves afloramientos del clasicismo en centros como Marsella y Gaillon, la arquitectura francesa de principios del Renacimiento se centró en el valle del Loira, ya que la capital de Francia estaba en la cercana Tours durante el reinado de Luis XII y la primera parte del reinado de Francisco I. La mayor parte de la nueva arquitectura era secular, como el château, que era un vástago del castillo feudal medieval combinado con la idea de una villa italiana. Un ejemplo característico es el château de Blois, donde dos alas a la manera del Renacimiento temprano reemplazaron partes del château del siglo XIII. La primera ala, erigida (1498-1503) para Luis XII, es casi completamente de estilo gótico flamígero tardío, con techos altos, una elevación asimétrica y arcos apuntados, deprimidos y conopiales. El único indicio del Renacimiento es el uso ocasional de un poco de decoración clásica, como las molduras de huevo y dardo, mezcladas con el gótico. La segunda ala, construida (1515-24) por Francisco I, está más cerca del estilo renacentista. La estructura permaneció gótica con un techo alto y buhardillas y el espaciado irregular de las ventanas verticales, pero todo el ornamento estaba basado en la manera clásica, aunque su manejo era a menudo no clásico. Las pilastras clásicas se usaban para dividir la elevación en tramos, pero no hay consistencia en las proporciones de las pilastras. La característica más notable de la elevación interior del ala de Francisco I es una gran escalera abierta octogonal, cuyos cinco lados se proyectan hacia el patio. En el interior hay una escalera de caracol colocada en una bóveda de túnel continua que se apoya en pilares radiantes. En la superficie de los pilares hay paneles en bajorrelieve con decoración arabesca, de un tipo que se encuentra a menudo en la arquitectura renacentista lombarda. La riqueza del estilo lombardo se mezcla muy bien con el gótico flamígero, que siempre se había caracterizado por una intrincada y rica decoración. La elevación exterior del ala de Francisco I consiste en una serie de logias abiertas -las dos inferiores arqueadas, la superior con un entablado recto- que recuerdan la famosa serie de logias que acababan de completar Bramante y Rafael en el palacio del Vaticano en Roma. Sin embargo, el concepto del Alto Renacimiento italiano se expresó en Francia a principios del Renacimiento con pilastras en cuclillas, bahías irregularmente espaciadas y arcos rebajados conocidos como arcos carpaneles.
El mejor ejemplo del estilo del Renacimiento francés temprano es el château, o pabellón de caza, erigido entre 1519 y 1547 para Francisco I en Chambord. El arquitecto italiano Bernabei Domenico da Cortona presumiblemente hizo el modelo básico del château, pero los diseños de los arquitectos italianos fueron normalmente ejecutados por constructores franceses (en este caso Pierre Nepveu), a menudo con muchos cambios. Chambord es una tremenda estructura, de unos 150 metros de ancho, con un plano que muestra el desglose gradual del plano del antiguo castillo. Hay un patio rectangular rodeado de muros con torres redondas en las esquinas, pero en tres lados del patio sólo hay muros bajos que sirven como pantallas. La antigua torre del homenaje, o torre principal de los castillos medievales, se convirtió en el castillo propiamente dicho en una construcción en forma de bloque con torres redondas en cada esquina. Los pasadizos planos sobre los muros de pantallas y sobre el bloque central estaban destinados a formar galerías desde las cuales las damas de la corte podían observar la caza. El plano del bloque principal del castillo revela la influencia italiana en su organización simétrica en ejes transversales con una doble escalera de caracol en el centro. En las cuatro esquinas que dejan los ejes transversales hay cuatro apartamentos idénticos, cada uno de los cuales consta de tres habitaciones básicas (cámara, antecámara y gabinete); esta forma de apartamento fue desde entonces la unidad favorita de la planificación doméstica francesa.
Manierismo
Desde alrededor de 1530, Francisco I importó numerosos artistas italianos, como Rosso Fiorentino (Giovanni Battista di Jacopo Rosso), Francesco Primaticcio, Sebastiano Serlio, Giacomo da Vignola, y Benvenuto Cellini. La mayoría de estos artistas eran seguidores de Miguel Ángel o Rafael, por lo que el nuevo período de la arquitectura francesa participó del manierismo italiano. El estilo que resultó duró hasta alrededor de 1590 y es a veces conocido como el estilo de Enrique II, aunque en realidad fue producido bajo cinco reyes diferentes, comenzando a finales del reinado de Francisco I.
La influencia total del nuevo estilo italiano puede verse mejor en el palacio de Fontainebleau. En 1528 Francisco I comenzó a hacer revisiones y adiciones a este castillo medieval, la arquitectura exterior fue llevada a cabo por constructores franceses bajo Gilles Le Breton. El pintor italiano Rosso Fiorentino se encargó de la decoración interior de la Galería de Francisco I (c. 1533-45). La galería es una sala larga y estrecha cubierta por un techo de madera. A cada lado de la sala hay un dado alto (es decir, la sección inferior de una pared) de nogal tallado con una rica decoración encima de la escultura y la pintura en relieve de estuco. Como Rosso era un pintor manierista, destacados encargos franceses pasaron directamente del estilo renacentista temprano de los castillos del Loira al manierismo. Rosso, que murió en 1540, fue sucedido por otro italiano, Primaticcio, que decoró el salón de baile, o galería (1548-56), de Enrique II y añadió el ala llamada Aile dite de la Belle Cheminée (1568).
El arquitecto italiano más importante que construyó en Francia fue Serlio, que llegó en 1541 para ocupar el lugar de Rosso como arquitecto de la corte. Serlio preparó los planes para la reconstrucción del palacio real del Louvre en París, pero sus ideas parecen haber sido demasiado grandiosas para Francisco I. Consiguió construir dos castillos, el casino del cardenal de Ferrara en Fontainebleau (1544-46), ahora destruido, y el castillo de Ancy-le-Franc (iniciado en 1546) en Borgoña. Serlio dedicó la mayor parte de su tiempo a un tratado de arquitectura que había comenzado en Italia. Varios libros del tratado fueron publicados en vida de Serlio a partir de 1537, pero la obra recopilada fue publicada después de su muerte con el título Tutte l’opere d’architettura, et prospetiva (1619; «Obras completas de arquitectura y perspectiva»). Fue influyente en la difusión del estilo renacentista en Francia, Inglaterra y los Países Bajos.
La afluencia de artistas italianos pronto obligó a los arquitectos franceses a adoptar los principios de diseño del Renacimiento, así como los detalles ornamentales renacentistas. Muchos arquitectos franceses comenzaron a estudiar la teoría del diseño y a menudo fueron a Italia como la fuente del estilo renacentista.
Después del fracaso de Serlio con el palacio del Louvre en París, un caballero francés de la corte, Pierre Lescot, recibió la orden de diseñar y construir un palacio renacentista para reemplazar el castillo medieval. Lescot, en colaboración con el escultor Jean Goujon, diseñó un palacio en torno a un patio cuadrado de unos 53 metros de ancho. Sólo se construyeron dos lados, el oeste y el sur, de la corte de Lescot (1546-51). La ejecución y ampliación de este diseño se extendió hasta mediados del siglo XIX. La pequeña sección realizada bajo Lescot, la Galería de Francisco I, revela un profundo conocimiento de los principios del diseño italiano pero se expresa en términos franceses. Los elementos clásicos se utilizan como decoración de superficie en bajo relieve con poco énfasis en la masa.
Los dos principales arquitectos franceses de la segunda mitad del siglo XVI, Philibert Delorme y Jean Bullant, estudiaron en Roma. Delorme se formó como constructor antes de ir a Roma y, por lo tanto, siempre se interesó en el lado constructivo de la arquitectura así como en la teoría del diseño. Alrededor de 1547 Delorme fue encargado por la amante de Enrique II, Diane de Poitiers, para diseñar su castillo en Anet. El castillo original (alrededor de 1547-52) formaba tres lados de un patio cerrado en la parte delantera por un muro de pantalla y una puerta de entrada. Gran parte del castillo ha sido destruido; sólo sobreviven el ala izquierda de la casa, el muro de pantalla y la capilla que formaba parte del ala derecha. La puerta de entrada, que originalmente contenía el relieve de bronce de Diana de Cellini (ahora en el Louvre), es muy manierista con una complicada superestructura, un arco semicircular con bandas levantadas que cortan las molduras y, en la parte superior, un grupo de bronce de un ciervo que golpea la hora con su pezuña como la bahía de los sabuesos acompañantes mecánicamente. La capilla de Anet tiene una planta de cruz griega centralizada con un gran círculo rematado por una cúpula en el cruce. El exterior de la capilla es de estilo manierista, con las ventanas cortadas a través del entablamento y los medios frontales junto al bloque principal. Delorme comenzó en 1564 un gran palacio llamado les Tuileries, ya que estaba situado en el lugar de las fábricas de azulejos frente al Louvre. Una vez más, los elementos del manierismo eran visibles. En el primer piso, Delorme usó su propia orden francesa, consistente en medias columnas jónicas y pilastras con bandas decorativas en los fustes, pero esta orden era en realidad un tratamiento manierista italiano del orden clásico.
La arquitectura de Bullant era bastante parecida a la de Vignola en que era muy clásica en detalles pero a menudo manierista en las relaciones. Sus primeras y mejor conservadas obras fueron para Anne de Montmorency, duque de Montmorency y condestable de Francia: parte del Château d’Ecouen (alrededor de 1555) y el Châtelet (alrededor de 1560) en el Château de Chantilly. El arquitecto Jacques Androuet du Cerceau el Viejo preparó Les plus excellents bastiments de France (1576-79), un conjunto de grabados en dos volúmenes que representan los nuevos edificios renacentistas del siglo XVI de Francia, muchos de los cuales han sido destruidos o alterados drásticamente. El estilo manierista se extinguió a principios del siglo XVII, ya que ligeros indicios del estilo barroco se mezclaron con un renovado clasicismo para formar gradualmente el estilo académico que prevalecía en el siglo XVII.
España
Los elementos decorativos del Renacimiento italiano aparecieron por primera vez en la arquitectura española en la época de la unificación de España y la expulsión de los árabes en 1492. Hubo tres fases en la arquitectura renacentista española: 1) el Renacimiento temprano, o plateresco, desde finales del siglo XV hasta aproximadamente 1560; 2) un breve período clásico, coexistente con el plateresco desde aproximadamente 1525 hasta 1560; y 3) el estilo herreriano desde 1560 hasta finales del siglo XVI.
Plateresco
La fase más temprana de la arquitectura del Renacimiento en España se suele llamar el Plateresco (de platero, «platero») porque su rico ornamento se asemeja a la orfebrería. Siempre ha habido una larga tradición en España de decoración elaborada, explicada en parte como una influencia del arte morisco. Los árabes ocuparon casi toda España durante la Edad Media y dejaron esta herencia decorativa a los españoles. A principios del siglo XVI, escultores y artesanos menores del norte de Italia, particularmente de Lombardía y Génova, fueron importados a España para ejecutar tumbas y altares para los nobles y eclesiásticos españoles. Estos artesanos introdujeron el vocabulario renacentista del norte de Italia de la decoración clásica, como la pilastra revestida de arabescos o el fuste del candelabro. Los arquitectos españoles recogieron estos elementos y los aplicaron a sus edificios.
El estilo plateresco renacentista es puramente de ornamento arquitectónico. No hubo cambios en la estructura; se utilizaron muros pesados con bóvedas de crucería góticas o techos de madera intrincadamente tallados (de forma artesanal) que indicaban la influencia árabe. Muchos de los elementos de la decoración también conservaron la influencia del arte gótico y morisco, como el pináculo gótico flamígero y la balaustrada perforada o los escudos y trozos de heráldica utilizados como motivos ornamentales. Los azulejos de ricos colores creaban patrones decorativos en las paredes como en el arte morisco. La riqueza de la decoración clásica importada del norte de Italia se mezcló eficazmente con los elementos de los estilos gótico morisco y flamígero para formar el nuevo estilo plateresco. La exuberancia de su ornamento era una expresión adecuada de la cultura amante del esplendor que España desarrolló a medida que la riqueza de las Américas comenzaba a llegar a principios del siglo XVI.
En la mayoría de los casos la nueva decoración plateresca se limitaba a ricos puntos o paneles de ornamento alrededor de los portales y ventanas de los edificios. Estas zonas ornamentales se aliviaban con grandes extensiones de pared desnuda, como en la fachada del Real Hospital de Santiago de Compostela (1501-11) de Enrique Egas o su Hospital de la Santa Cruz de Toledo (1504-14).
El mayor centro del estilo plateresco fue la ciudad de Salamanca, con edificios como la Universidad (hacia 1516-29) y el Palacio de Monterrey (1539). Quizás el ejemplo más destacado de este estilo sea el Ayuntamiento de Sevilla (iniciado en 1527) de Diego de Riaño, con pilastras lombardas en la planta baja y medias columnas completamente cubiertas con esculturas en relieve en el segundo piso. También a la manera lombarda son los numerosos medallones que se ven en la pared bajo las ventanas o entre las pilastras.
Clásico
Aunque el exuberante estilo plateresco perduró en algunas regiones hasta aproximadamente 1560, pronto fue reemplazado por un estilo mucho más clásico, que apareció en 1526 en el Palacio de Carlos V dentro de la Alhambra de Granada. El Palacio de Carlos V fue el primer edificio clásico italiano en España, en contraste con los edificios platerescos que eran clásicos sólo en términos de algunos elementos de la decoración renacentista italiana. Carlos V, como rey de España y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, fue la figura política más poderosa de Europa, dominando Italia, así como España, los Países Bajos y Austria. Su palacio en la Alhambra reflejaba el creciente contacto con Italia. Diseñado por el español Pedro Machuca, que había estudiado en Italia, el Palacio de Carlos V nunca se completó, aunque se siguió trabajando en él durante la mayor parte del siglo XVI. El palacio es de planta cuadrada con un enorme patio central circular (30 metros de diámetro), que estaba destinado a las corridas de toros y torneos. La planta es, por lo tanto, totalmente renacentista, siendo centralizada y simétrica; está organizada en ejes transversales formados por las cuatro entradas, una en el centro de cada lado. La fachada muestra una plena comprensión de los principios del diseño renacentista italiano en su superposición de órdenes y en el ritmo alternado de los frontones triangulares y segmentados sobre las ventanas del segundo piso. El patio interior está rodeado por una columnata con una superposición similar de dórico y jónico.
Herreriano
Al clasicismo del Palacio de Carlos V le sucedió un estilo extremadamente austero y frío que lleva el nombre del mayor arquitecto español del siglo XVI, Juan de Herrera. Quizás más importante que el arquitecto fue la atmósfera social y cultural en la que se desarrolló el estilo herreriano, desde alrededor de 1560 hasta finales del siglo XVI. Carlos V había sido un verdadero príncipe del Renacimiento; su único hijo, Felipe II, que subió al trono en 1556, fue uno de los representantes más típicos de la era del manierismo tal y como se manifestó en España. Felipe II era morboso y melancólico, un fanático religioso contra cuyo estricto dominio los Países Bajos pronto se rebelaron, iniciando las dificultades que gradualmente disiparon el poder político y cultural español en Europa.
El mejor ejemplo del estilo herreriano ilustra claramente el cambio de atmósfera cultural bajo Felipe II. Se trata del palacio-monasterio de El Escorial (1563-84), que Felipe II mandó construir como refugio en las afueras de Madrid. Es un gran contraste con el mundano Palacio de Carlos V, con su patio de torneos situado en la lujosa y sensual Alhambra. El Escorial era más que un palacio real, ya que también contenía provisiones para un monasterio y un colegio. Como una ciudad en sí misma, El Escorial fue planeada como un tremendo rectángulo (205 por 160 metros), con una gran iglesia en el centro.
El Escorial fue iniciado por el arquitecto Juan Bautista de Toledo, que puede ser el responsable del planeamiento, pero la ejecución y el estilo arquitectónico fueron los de su asistente y sucesor, Herrera. El propio Felipe II revisó los dibujos del palacio, eliminando cualquier cosa ornamental u ostentosa. En el exterior la arquitectura es muy sencilla, una pared lisa con una serie monótona de ventanas sin adornos que expresan el carácter monástico general del conjunto. El único segmento del estilo clásico renacentista en el exterior está en el portal central con dos pisos de gigantescas medias columnas dóricas que sostienen un frontón triangular. La iglesia, en el centro del complejo, tiene dos campanarios y una gran cúpula sobre un tambor, que superan el conjunto. La austeridad se ve reforzada por el frío y gris granito con el que se construyó El Escorial. En el interior, la falta de decoración indica una severidad similar. Excepto en el orden dórico clásico, que es el menos ornamental de los órdenes, no hay decoración arquitectónica. Se utilizaron arcos de piedra lisos bajo las bóvedas sin ningún tipo de artesonado. Ocasionalmente, los paneles elevados en la superficie de la pared sugieren dónde se ubicaría normalmente el ornamento plateresco, pero en lugar de la escultura en relieve, sólo hay paneles claramente lisos. Incluso el orden dórico fue tratado con severidad; las pilastras del interior no muestran entasis (es decir, un cono ascendente del ancho de la pila para dar una sensación de ligereza y para aliviar las estrictas verticales). El Escorial impresiona por su tamaño y masa y por la coherencia de su austeridad, pero tiene una calidad prohibitiva que ningún otro edificio puede igualar. Otros ejemplos del diseño de Herrera son la catedral de Valladolid (iniciada en 1585, terminada en el siglo XVIII) y la corte de la Lonja de Sevilla (1582-99).
Portugal
La arquitectura de Portugal tiende a ser paralela al desarrollo de la arquitectura española. El estilo manuelino de finales del siglo XV y principios del XVI, como el plateresco de España, era un modo muy decorativo en el que pequeños motivos de ornamento clásico se introducían en un estilo local de gótico tardío. Después de la mitad del siglo XVI, se desarrolló un estilo clásico completamente italiano en la arquitectura de Diogo de Torralva. Su claustro en el convento de la Orden de Cristo (1557-62) en Tomar está compuesto por la rítmica bahía de arcos alternos y órdenes clásicas acopladas que Bramante popularizó en Italia. La proyección completa de las columnas dóricas y jónicas superpuestas sugiere la estupidez del Alto Renacimiento italiano. Durante las dos últimas décadas del siglo, la obra del arquitecto boloñés Filippo Terzi presenta esa austera planitud, que se ve en la iglesia de São Vicente de Fora, Lisboa (1582-1605), que recuerda a Herrera.
Alemania
El florecimiento de las formas arquitectónicas del Renacimiento italiano en Alemania fue aún más lento que en otros países del norte de Europa. Sólo a mediados del siglo XVI el estilo renacentista era manifiestamente importante, generalmente en las regiones que estaban más en contacto con Italia, como el sur de Alemania o la ruta comercial a lo largo del río Rin que va del sur a los Países Bajos. El estilo se mantuvo en Alemania hasta mediados del siglo XVII. Los pocos indicios de clasicismo en Alemania antes de mediados del siglo XVI pueden considerarse como la fase del Renacimiento temprano. Se limitaban a monumentos arquitectónicos menores, como la Capilla Fugger de la iglesia de Santa Ana en Augsburgo (1509-18), que fue el primer edificio renacentista de Alemania, o consistían en trozos de decoración renacentista adosados a estructuras góticas. Un ejemplo de esto último es el Castillo de Hartenfels (c. 1532-44) en Torgau por Konrad Krebs, que es completamente medieval en su diseño pero tiene fragmentos ocasionales de ornamento clásico aplicado a la superficie. La parte trasera de la Residencia (c. 1537-43) en Landshut es excepcional en cuanto a que su arquitectura y decoración son totalmente italianas, pero esto se explica por la visita en 1536 del Duque Luis X de Munich a Mantua, donde Giulio Romano acababa de terminar el Palazzo del Te.
Después de 1550 la arquitectura de estilo renacentista en Alemania tenía a menudo detalles manieristas derivados de los grabados ornamentales italianos. La arquitectura alemana de este período era abundante en medallones, hermas (es decir, elementos arquitectónicos coronados por bustos humanos) y cariátides y atlantes (es decir, figuras humanas utilizadas como columnas o pilastras). El tratado alemán de los cinco órdenes de Wendel Dietterlin, titulado Architectura (1598), está lleno de este tipo de ornamentos manieristas. Un ejemplo arquitectónico es el Otto Heinrichsbau añadido al castillo gótico de Heidelberg (quemado por los franceses en 1689). Los tres altos pisos presentaban la verticalidad habitual de la arquitectura norteña, pero se entendía la superposición clásica de los órdenes con el corintio sobre el jónico. Sin embargo, había una cierta libertad en el tratamiento de las órdenes, ya que un friso dórico se apoyaba en las pilastras jónicas. Del manierismo italiano vino la rusticación de la orden inferior, el uso de los hierros como montantes de ventanas, y las cariátides que flanquean el portal. Otros ejemplos del Renacimiento alemán son el pórtico del Rathaus (Ayuntamiento) (1569-73), en Colonia por el holandés Wilhelm Vernuiken y el Friedrichsbau (1601-07), que fue añadido al castillo de Heidelberg por Johannes Schoch.
Flandes y Holanda
En los Países Bajos, Flandes, debido al comercio y las finanzas, estuvo en estrecha comunicación con Italia desde el siglo XV. Como resultado, hay ligeros indicios del estilo renacentista en la arquitectura flamenca de principios del siglo XVI, como en el palacio de Margarita de Austria, ahora Palacio de Justicia (1507-25), en Malinas, completado por Rombout Keldermans.
El edificio más importante del estilo renacentista flamenco fue el Stadhuis, o Ayuntamiento (1561-65), de Amberes, diseñado y ejecutado por Cornelis II Floris (originalmente de Vriendt [1514-75]). Se decidió reemplazar el pequeño ayuntamiento medieval de Amberes por una gran estructura de 90 metros de largo, en el nuevo estilo, como reflejo de la prosperidad de Amberes como principal puerto del norte del siglo XVI. Como en muchos edificios del norte, hay una falta de monumentalidad, ya que su inmensidad física no se expresa en los detalles. Hay un sótano bajo con una arcada rústica, que originalmente era usada por los comerciantes durante las ferias. Arriba hay dos pisos principales con superposición de pilastras dóricas y jónicas, entre las cuales grandes ventanas abren casi completamente cada bahía.
Inglaterra
El estilo arquitectónico renacentista hizo una aparición muy tímida en Inglaterra durante la primera mitad del siglo XVI, y sólo a partir de 1550 se convirtió en un estilo positivo con cualidades locales. De hecho, el estilo gótico continuó en muchas partes de Inglaterra durante la mayor parte del siglo XVI, y la arquitectura renacentista inglesa fue una fusión muy original de los estilos gótico y clásico de los Tudor. Este estilo floreció hasta principios del siglo XVII cuando Inigo Jones creó un estilo mucho más italiano que gradualmente reemplazó al estilo renacentista inglés.
Durante el reinado de Enrique VIII (1509-47), algunos elementos de la decoración renacentista italiana fueron importados por Inglaterra a través de algunos artistas italianos menores, como Pietro Torrigiani, que ejecutó la tumba (1512-18) de Enrique VII en la Abadía de Westminster. En el gran palacio de Hampton Court, iniciado por el cardenal Wolsey en 1515 y continuado por Enrique VIII hasta 1540, se han añadido algunos elementos de decoración renacentista italiana, aunque la estructura es completamente a la manera de los Tudor. En las puertas hay varios medallones de terracota del italiano Giovanni da Maiano, y hay una simetría y regularidad en el plano del palacio que hace pensar en el Renacimiento.
El estilo renacentista realmente comenzó en Inglaterra a mediados del siglo XVI en la arquitectura construida para el círculo del Edward Seymour I, duque de Somerset, que sirvió como regente después de la muerte de Enrique VIII. Durante el siglo XVI el protector desempeñó un papel mucho más importante en el desarrollo de la arquitectura renacentista inglesa que el arquitecto; casi no hubo arquitectos profesionales que se formaran como los italianos en la teoría del diseño y la construcción. La mayor parte del edificio fue ejecutado por diseñadores, albañiles o carpinteros. Un ejemplo típico del papel del mecenas en la introducción del estilo renacentista de Inglaterra se encuentra en el cuadrilátero que John Caius añadió a Gonville Hall (ahora Gonville y Caius) en Cambridge. Caius había pasado mucho tiempo en Italia así como en otros lugares de Europa. La arquitectura de la nueva corte era básicamente gótica tudor, pero Caius planificó tres puertas de entrada en relación con la corte, dos de las cuales eran de estilo italiano. Los tres portales debían marcar el progreso del estudiante a través de la universidad. En la entrada estaba la Puerta de la Humildad (1565), un modesto portal, ahora en el jardín del Maestro. La Puerta de la Virtud (después de 1565), que se abre en el nuevo cuadrángulo, es un fino portal clásico con pilastras jónicas, pero con un arco gótico tudor muy centrado para la apertura. Finalmente, la Puerta del Honor (1573) es un pequeño arco triunfal separado que conduce hacia las escuelas para la disputa final y el grado. Caius probablemente diseñó estas puertas con la ayuda del arquitecto flamenco del siglo XVI Theodore de Have.
Hubo poca arquitectura religiosa creada en Inglaterra durante el siglo XVI, en parte debido a la ruptura de Enrique VIII con Roma. Es en las grandes casas de campo de la nobleza donde el estilo renacentista es visible. Sir John Thynne, mayordomo del Lord Protector Somerset, diseñó varios ejemplos notables. El mejor de ellos fue su propia casa, Longleat (1568-c. 1580), en la que contó con la ayuda del albañil Robert Smythson, que sería el principal arquitecto de finales del siglo XVI. Excepto por la simetría del plano, organizado alrededor de dos cortes, no había muchas novedades en la planificación de Longleat, ya que la casa de los Tudor estaba normalmente organizada alrededor de una corte. El típico gran salón inglés de Longleat era un elemento derivado del salón del castillo medieval y conservado en la arquitectura inglesa a lo largo del siglo XVI. La entrada principal de la casa se abre directamente a un extremo del gran salón, pero una pantalla baja al final del salón, coronada por una galería de músicos, forma un pasadizo. En la elevación Longleat es un edificio largo y horizontal con muchas ventanas; es uno de los edificios seculares más abiertos de la Europa del siglo XVI. Hay una cualidad rectangular en todo el exterior que es característica de la arquitectura inglesa; se incrementa por el uso repetido de la unidad de ventanas. Ahora hay tres pisos en el exterior, con la correcta superposición clásica del orden dórico en la planta baja y los órdenes jónico y corintio en la parte superior, pero el tercer piso fue probablemente añadido después de la muerte de Thynne, reemplazando un techo inclinado y buhardillas.
Robert Smythson, que ayudó a Thynne en Longleat, diseñó y construyó más tarde varias casas notables, la mejor de las cuales fue la de Wollaton Hall (1580-88) cerca de Nottingham. Wollaton tiene un magnífico emplazamiento en una pequeña colina con vistas a un gran parque. El plano de la casa es una plaza con cuatro torres cuadradas en las esquinas, que se asemeja a un plano del tratado de arquitectura de Serlio, cuyo libro influyó en la arquitectura renacentista inglesa. El gran salón está en el centro de la plaza; se eleva un piso extra sobre todo el edificio. La casa tiene un sótano bajo que contenía las cocinas y los cuartos de servicio; es uno de los primeros edificios en usar esta disposición, que se hizo común en la historia de la arquitectura inglesa y americana posterior. En el exterior la masa es la de un bloque rectangular cuya calidad rectilínea se acentúa aún más por las numerosas y multimillonarias ventanas rectangulares. La decoración es completamente clásica, con pilastras superpuestas, nichos de arco redondo y balaustradas clásicas, pero muestra toques de manierismo italiano, que llegó a Inglaterra principalmente desde Flandes. Las pilastras y las medias columnas tienen bandas elevadas en el centro y los hastiales que coronan las torres de las esquinas están decorados con correas flamencas (es decir, bandas elevadas en relieve que asumen formas curvilíneas que sugieren las correas de cuero). Otros ejemplos de este estilo son Hardwick Hall (1590-97) en Derbyshire, probablemente de Smythson; Kirby Hall (alrededor de 1570-78) en Northamptonshire, quizás del albañil Thomas Thorpe; y la Casa Montacute (1588-1601) en Somerset.
Europa del Este
Debido a la inestable situación política en Europa del Este, la aparición allí del estilo arquitectónico renacentista fue muy esporádica y normalmente dependía estrechamente de las personalidades gobernantes. La elección en 1458 de Matías Corvino como rey de Hungría marca el primer interés serio en esta región por el nuevo estilo arquitectónico. Matías hizo preparar traducciones de los tratados de arquitectura italiana contemporánea de Filarete y Alberti y en 1467 invitó brevemente a Hungría al arquitecto e ingeniero boloñés Aristotele Fioravanti. Los edificios diseñados para Matías, como su cabaña de caza de Nyek, han sido destruidos. La Capilla Bakócz (1507) erigida por el Cardenal Tamás Bakócz como su capilla sepulcral en la catedral de Esztergom es completamente italiana. Construida sobre un plano de cruz griega con una cúpula, la capilla se parece a las capillas florentinas de finales del siglo XV. La ocupación turca, sin embargo, pronto retrasó la adopción del estilo arquitectónico clásico hasta el siglo XVIII.
En Rusia, durante el reinado de Iván III el Grande (1462-1505), a medida que disminuía la presión tártara y Moscú iba adquiriendo gradualmente importancia, hubo un breve interés por los acontecimientos culturales occidentales. Así, en 1475, Fioravanti, que había estado en Hungría anteriormente, fue traído a Moscú. Pronto el Zar Iván mandó reconstruir el Kremlin, la mayor parte del cual todavía era de madera. De 1485 a 1516 los arquitectos italianos Antonio Solario y Marco Ruffo cerraron el Kremlin con muros de ladrillo y erigieron en su interior el Palacio de las Facetas (1487-91). Se trataba de un palacio de dos pisos en forma de bloque con un exterior rústico, como su nombre (granovitaya, «facetado») indica, a la manera de los primeros palacios renacentistas de Bolonia y Ferrara. Los contactos culturales con Occidente disminuyeron entonces bajo el impacto del creciente nacionalismo hasta el reinado de Pedro el Grande a principios del siglo XVIII.
El estilo arquitectónico renacentista aparece en Polonia bajo la última dinastía de Jagellón, y especialmente en el reinado de Segismundo I (1506-48), cuya esposa procedía de la familia Sforza de Lombardía. La reconstrucción de su castillo de Wawel (1507-36) en Cracovia fue iniciada por el italiano Francesco della Lore y continuada por Bartolomeo Berecci de Florencia. Presenta una mezcla del gótico local y la arquitectura italiana del siglo XV. El gran patio tiene tres pisos de logias; los dos inferiores, con arcos de medio punto sobre columnas jónicas en cuclillas, sugieren el nuevo estilo, pero el piso superior mucho más alto, con el techo empinado sostenido por postes excesivamente delgados, traiciona una tradición medieval de madera. La capilla mortuoria (1517-33) de Segismundo anexa a la catedral de Wawel en Cracovia, también según el diseño de Berecci, representa uno de los ejemplos más ricos del estilo renacentista italiano en Europa central. De planta cuadrada, cada muro está dividido por pilastras elaboradamente talladas en una amplia bahía central para las tumbas o el altar, flanqueada por bahías más estrechas con nichos para estatuas. Arriba, una cúpula semicircular artesonada descansa sobre un tambor con grandes ventanas circulares. A diferencia de los demás países de Europa central, en Polonia la arquitectura renacentista siguió floreciendo durante el resto del siglo XVI. En 1578 Jan Zamoyski, canciller de Polonia, encargó al arquitecto veneciano Bernardo Morando el diseño de la ciudad fortificada de Zamość siguiendo las últimas ideas italianas. La ciudad resultante con arcadas callejeras se parece a las del norte de Italia.
El cambio del estilo gótico al renacimiento en Bohemia es visible en la arquitectura del principal arquitecto de finales del siglo XV en Praga, Benedikt Ried. El interior de su Sala de Vladislav, Praga (1493-1510), con sus bóvedas de lazo entrelazadas, representa el clímax del gótico tardío; pero a medida que continuaron los trabajos en el exterior, los rasgos ornamentales de las ventanas y portales se realizaron de la manera clásica. La arquitectura religiosa continuó en el estilo gótico, y la mayor parte de la arquitectura secular era de estilo local con sólo una ligera influencia del Renacimiento italiano. Algunos encargos reales menores eran más clásicos, como el Letohrádek Hvězda (1538-63), o el mirador del jardín (casa de verano), en Praga para la reina Ana, esposa de Fernando I, con su delicada arcada exterior. Varios castillos o grandes casas como la de Opočno (1560-67) o la de Bučovice (1566-87), diseñada por el italiano Pietro Ferrabosco, tenían amplios patios con arcadas sobre columnas clásicas.
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