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Blog de historia del arte

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Escultura

Esculturas de bulto redondo, complejos decorativos aplicados a edificios

El árbol de Jesé

Este retablo de la iglesia de Santa María del Castillo es una de esas agradables sorpresas que descubres, casi por casualidad, visitando alguna iglesia modesta durante una parada en la visita de alguna localidad en el tránsito de un viaje.

Camino de Lisboa tuvimos la suerte de encontrarnos esta magnífica obra, que nos dejó bastante impresionados. No sólo por la factura y belleza de la misma, sino por la monumentalidad y lo atractivo del retablo en sí mismo. Seguir leyendo “El árbol de Jesé”

San Bartolomé del Duomo de Milán

Situada en el transepto de la catedral, al lado del mausoleo de la derecha (mirando hacia el altar), fue materializada en 1562 por el artista italiano Marco da Agrate.

San Bartolomé desollado es de las obras más llamativas y admiradas del interior del Duomo.

Representa a San Bartolomé portando un libro en la mano izquierda y cubriendo su desnudez con lo que aparentemente es una túnica. Seguir leyendo “San Bartolomé del Duomo de Milán”

Cristo con velo de Giuseppe Sanmartino

También conocido como “cristo velato”, esta obra es considerada la obra maestra de Giuseppe Sanmartino y una de las creaciones escultóricas más logradas de la historia del arte.

Pertenece a una tradición escultórica que tuvo mucha fama en Italia durante el siglo XVIII y XIX y que generalmente están asociadas al ámbito y temáticas funerarias. Seguir leyendo “Cristo con velo de Giuseppe Sanmartino”

El éxtasis de Santa Teresa de Bernini

El grupo escultórico que conforma esta obra es una de las obras más importantes de Bernini y una obra capital de la escultura Barroca en Italia por conseguir el máximo efecto de teatralidad en la conjunción de pintura, escultura y arquitectura al servicio de un mensaje único.

Esta obra fue encargada a Bernini por el cardenal Federico Cornaro en 1647 para una capilla funeraria familiar en la iglesia de Santa María della Vittoria, en Roma. Seguir leyendo “El éxtasis de Santa Teresa de Bernini”

Hermes con Dionisos niño de Praxiteles

Hermes de Olimpia
Praxiteles. Siglo IV. Museo de Olimpia | Fotografía: Wikimmedia Commons

También conocido como el Hermes de Olimpia, por encontrarse en el museo de Olimpia, es un grupo escultórico del siglo IV a.c. atribuido al artista Praxiteles.

Los estudiosos han señalado ciertos aspectos formales que diferencian esta escultura del artista de otras suyas más famosas, y que han llevado a muchos a apuntar que quizá esta atribución es errónea y que estaríamos ante una escultura algo más reciente, de época helenística, por tener una anatomía, una composición y un realismo en las expresiones y las figuras que lo alejan de la idealización que caracterizó a la estatuaria griega del periodo clásico.

Frente a estas teorías otros se decantan por atribuir esta obra a la época final de la producción del artista.

Más allá de debates historiográficos y atribuciones, lo cierto es que nos encontramos ante una de las esculturas más logradas y de mayor belleza de la producción escultórica griega.

Fue encontrada entre las ruinas del templo de Hera durante unas excavaciones realizadas por un equipo alemán. El equipo dirigido por Ernst Curtius lo buscó allí donde el historiador y geógrafo Griego Pausanias dejó escrito que la vió durante uno de sus viajes en el siglo II a.c. y que describió en su obra “descripción de Grecia, V, 17, 3W [«las que he enumerado son de marfil y oro, y algún tiempo después ofrendaron otras en el Hereon: un Hermes de piedra que lleva a Dioniso niño y es obra de Praxíteles»].

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Escultura del periodo clásico de praxitelesLa obra fue esculpida en mármol de Mármol de Paros y representa al dios griego Hermes apoyado en el tronco de un árbol y sosteniendo al niño dionisos (dios del vino) con el brazo izquierdo.

Por la composición y la forma en que se relacionan las figuras se la compara con la obra de Cefisodoto el Viejo, “Irene portando a Pluto”, que puede contemplarse en la Gliptoteca de Múnich y que por sus similitudes pudo servir a Praxiteles de inspiración.

El grupo escultórico se caracteriza por el naturalismo y realismo de la anatomía de las figuras en lo que es un despliegue de virtuosismo técnico al alcance de uno de los mejores escultores de la grecia clásica.

La característica curva praxiteliana que perfila el lateral del cuerpo del personaje principal está presente en Hermes. Esta curva es una de las características formales más evidentes del artista y que consigue representando al hombre apoyando el peso del cuerpo en una de las dos piernas (contraposto), quedando la otra más libre y que genera una gran tensión y movimiento en la representación de las figuras humanas.

El pie derecho de Hermes, calzando unas sandalias, está unido a un trozo de zócalo. La cadera del mismo personaje se une al tronco del árbol mediante un puente.

En detalles como las sandalias o el cabello se han conservado restos de la policromía o la preparación de la superficie para aplicar joyas, piedras preciosas o incluso oro, que sabemos que completaban la decoración de la obra y que no se han conservado hasta nuestros días.

Otro elemento característico es el pulimentado de la superficie de la obra, recurso con el que crea una sutil transición entre las zonas de luz y sombra. Este pulimentado no se aprecia en la espalda que tiene marcas de los golpes del cincel.

El hecho de que Dionisos aparezca junto a Hermes viene de la mitología, en la que nos cuenta que Zeus da la custodia de Dionisos a Hermes para protegerlo de Hera. Este lo llevó al país de Nisa, donde fue criado y educado por las ninfas.

Psique reanimada por el beso del amor

Escultura neoclásica de Antonio Canova
Antonio Canova. 1793. Mármol. 155 x 168 cm.  Musée du louvre | Fotografía: Wikimmedia Commons

 

Esta escultura neoclásica del escultor italiano Antonio Canova que se conserva en el Museo del Louvre fue iniciada por el artista en 1787 y terminada en 1793.

La escultura representa el instante en el que Eros, representación del amor, despierta a Psique, representación del alma, de su sueño tras cumplirse la maldición de la esposa de Plutón, Proserpina, al romper psique el jarrón de ésta.

Para Canova el objeto de la escultura no era representar el mito ni la historia que hay detrás de los personajes, que son una mera excusa para componer una obra de marcado carácter clásico sino sobre todo desde el punto de vista estético.

El escultor busca representar la pasión y el amor de dos personajes en lo que es un conjunto bastante “teatral” y efectista, como lo demuestra el abrazo imposible en el que se intentan fundir las figuras de Eros y Psique.

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La composición de las figuras en el conjunto no es casual. El artista intenta centrar la atención en las cabezas de las figuras un instante antes de besarse. Para conseguirlo intenta hacer converger las líneas que conforman las alas y las piernas de Eros, que se juntan a la altura de las cabezas de las figuras, en la convergencia de ambas líneas (que conforman una “X”).

La elección del mármol es interesante desde el punto de vista del contrapunto entre la frialdad del material elegido y lo que representa en la imagen, que pretende recoger sensaciones como la calidez, la ternura y el erotismo entre las figuras.

Para Canova la inspiración es directamente la antigüedad grecorromana (más romana que griega) en una época en la que se vuelve la mirada directamente hacia la antigüedad, evitando la “contaminación” de lo clásico tal como se reinterpretó en el Renacimiento.

Esta vuelta a los valores y las formas de la antigüedad clásica acerca las obras de Canova a la perfección de las formas desde el punto de vista del clasicismo, con el gusto por las representaciones de figuras desnudas en mármol muy pulimentado y perfectamente perfiladas y cinceladas, además de utilizar temas mitológicos como objeto de las obras.

En este caso se remite al mito del Asno de oro en el que se nos cuenta que Psique, la menor de tres hermanas, sobresalía por su belleza respecto a éstas.

Cuando Psique se convierte en mujer se comparó su belleza con la de Afrodita, quién ante la amenaza que suponía para la supremacía de su belleza pidió a su hijo Eros que matara a psique convertido en un enorme monstruo.

Cuenta la leyenda que en el momento de la aparición de Eros convertido en monstruo, un viento de Céfiro “transportó” a psique a un valle en el que se durmió a la espera de que ser despertada en un mundo dominado por la belleza y la opulencia.

Tras sufrir una serie de maldiciones e infortunios Zeus finalmente fue benévolo con la pareja y desencantó a Psique (a petición de Eros), que se despertaría de su profundo sueño en brazos de su amado Eros, a quién se unió para siempre en cuerpo y alma.

Canova representa el momento exacto en el que la pasión de Eros llega a la boca de Psique, que comienza a despertar en sus brazos como resultado y culminación del amor y que resume la obra del escultor italiano, que demuestra su virtuosismo en el tratamiento del mármol y el conocimiento de la antigüedad clásica y la estética de inspiración grecorromana.

Sarcófafo de Pacal

Cripta con la tumba del rey Pacal y su sarcófago de piedra cubierto con la lápida
Lápida de Pacal. Templo de las inscripciones de Palenque. 683 d.c. Fotografía: Wikimmedia

Esta lápida se corresponde con la que tapaba la tumba del rey Pakal, que se encontró en el interior del templo de las inscripciones de Palenque.

La primera peculiaridad que presenta esa lápida, y la tumba en general, es que su tamaño en relación con el espacio en el que está ubicada obligó a los antiguos mayas a construir la cripta antes de que se diera por terminado el edificio.

Esta lápida rectangular de 2,8 metros de largo por 2,2 de anchura y 4 toneladas de peso cubría un sarcófago cuyo perímetro seguía la silueta del difunto. La posición de la tumba respecto al edificio, en el centro de la pirámide, coincide con la posición de la cueva descubierta en una posición similar en la pirámide del sol de Teotihuacán, algo que conecta estas culturas y sus costumbres y que ayudó mucho a los investigadores a entender e interpretar la simbología de los relieves de la lápida de la tumba de Pacal.

Tallados en la lápida se representan numerosos símbolos de la cosmogonía maya sobre la muerte de los hombres
Relieve de la lápida de Pacal. 683 d.c. Fotografía: Wikimmedia

Cuando se descubrió la tumba fue necesario utilizar gatos hidráulicos para levantar la losa. Cuando se descubrió se encontró una lápida secundaria con forma de pez o de útero, que albergaba los huesos de Pakal cubiertos de cinabrio y múltiples teselas y cuentas de jade.

Para acceder a la cámara mortuoria hay que descender unas escaleras por el interior de la pirámide que fue rellenada con piedras, conchas, ofrendas de jade y piezas cerámicas. Desde el interior de la cámara que alberga la tumba distinguimos un conducto o respiradero que sube hasta la parte superior del templo y que según la mitología maya servía para el paso de la serpiente desde el mundo de los muertos al de los vivos.

La lápida es considerada como una de las obras de arte más extraordinarias del periodo clásico maya.

A lo largo de toda su superficie se tallaron relieves cuyas interpretaciones han dado lugar a numerosas teorías, hasta una que compara al rey pacal –situado en el centro de la representación- en un astronauta a punto de despegar.

Más allá de interpretaciones poco rigurosas, pero muy rentables periodísticamente hablando, los expertos se decantan por interpretarlo como una representación de la muerte del rey Pacal, un importante monarca que goberno Palenque durante 65 años en la que de la época de más esplendor de la ciudad.

El artista de Palenque colocó el cuerpo de Pacal en el centro de la representación. De su vientre, situado en dirección al cielo, sale una Ceiba sagrada que se eleva hacia el cielo, en cuya parte superior un pájaro sagrado culmina la escena por arriba mientras las raíces del soberano se meten en el inframundo, cuyas fauces se abren por debajo del rey como queriendo engullirle.

Contrariamente a lo que pueda parecer por su morfología y por albergar esta tumba el templo de las inscripciones de Palenque no está concebido como monumento funerario, sino más bien como base para construir el templo.

Columna Trajana

Monumento conmemorativo de las victoriad de Trajano sobre los daciosPara aquellos que hayáis tenido la oportunidad de visitar Roma este post seguro que os trae a vuestra memoria uno de los monumentos conmemorativos más impresionantes de cuantos te vas topando durante un paseo por el centro de la ciudad.

Está situado en el foro que erigió Trajano. Se trata de una columna de más de 30 metros de altura en cuya superficie helicoidal se talló un friso continuo de más de 200 metros de representaciones de escenas para conmemorar las victorias de Trajano sobre los Dacios en las dos campañas sucesivas que necesitó para expulsarlos de lo que hoy sería Rumanía.

La columna se compone de 18 enormes bloques de mármol de Carrara de 4 metros de diámetro y más 40 toneladas de peso cada uno. En el interior de la misma una escalera de caracol permite acceder a la parte superior, una vez se han superado los 185 peldaños que se necesitan para salvar los 30 metros de desnivel.

El relieve da un total de 23 vueltas durante todo el recorrido hasta la parte superior. Distinguimos dos partes: la parte inferior dedicada a sucesos acontecidos durante la primera campaña contra los Dacios y la parte superior en la que se representaron escenas correspondientes a la segunda y definitiva campaña del emperador sobre los Dacios.

Aunque hoy se nos muestra el mármol desnudo lo cierto es que todas las figuras de todas las escenas estaban policromadas y en muchos casos portaban sus armas hechas en bronce que hoy se han perdido componiendo una crónica de las campañas contra la Dacia muy colorista y rica en detalles, que mitigaría en parte algunos de los convencionalismos de las figuras talladas, a menudo mal resueltas desde el punto de vista de la perspectiva, que simultanean varias en la misma escena, o simplificaciones repitiendo cabezas y cuerpos (isocefalia).

Es una clara demostración de que lo que importaba en este tipo de obras conmemorativas no era la técnica sino el mensaje y la gloria del homenajeado. Se trata de una compleja crónica de las dos campañas tallada en piedra, con escenas de batallas, construcciones de acueductos, puentes, el asedio a ciudades y fortalezas, o escenas de la vida en los campamentos militares.

El conjunto ha servido de importante fuente de estudio para los historiadores sobre el ejército romano y los artilugios y máquinas de guerra que utilizaban y que se representaron en la columna.

La columna se levanta sobre un pedestal en el que descubrimos la siguiente inscripción: «El senado y el pueblo romano, al emperador César Nerva Trajano Augusto Germánico Dácico, hijo del divino Nerva, pontífice máximo, tribuno por decimoséptima vez, imperator por sexta vez, cónsul por sexta vez, padre de la patria, para mostrar la altura que alcanzaban el monte y el lugar ahora destruidos para obras como ésta.»

En la frase final se hace referencia a la altura que tenía el monte que fue allanado para la construcción del foro trajano en el que se encuentra la columna.

Además de cómo monumento conmemorativo sirvió también para albergar las cenizas del emperador y su mujer, así como servir de elemento de referencia para el foro Trajano

Estéticamente llama la atención cómo tantos escultores trabajando al mismo tiempo pudieron darle una unidad a todo el conjunto, en el que se contabilizan más de 2.500 figuras humanas y en las que aparece el emperador en 59 ocasiones, todas ellas con gran realismo y naturalismo, huyendo de cualquier tipo de idealización sobre la figura del emperador.

Originalmente estaba coronada por una estatua dorada del propio Trajano que no se conserva en la actualidad y que tras desaparecer en la edad media fue sustituida por Sixto V por una efigie de San Pedro, que perdura en la actualidad.

 

[success]En esta página podrás contemplar todas las escenas de la columna trajana con todo detalle: http://paginadelacolumnatrajana[/success]

 

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