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Blog de historia del arte

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Pintura mural

Frescos, pintura aplicada a arquitecura, murales, graffity, pintura de techos

La trinidad de Masaccio

[av_dropcap2 color=”{{color}}” custom_bg=”{{custom_bg}}”]E[/av_dropcap2]sta obra de Masaccio es una de las primeras obras del renacimiento en las que se aplica la perspectiva lineal que pretende representar el espacio tridimensional de la forma más naturalista posible.

La obra es una pintura mural encargada por la familia Lenzi y puede contemplarse en el interior de la iglesia de Santa María Novella de Florencia. Seguir leyendo “La trinidad de Masaccio”

Totentanz o danza de la muerte de Berlín

Berlín no es probablemente la capital europea con mayor cantidad de monumentos ni edificios históricos en pie. Ser la capital del país que se enfrentó activamente al mundo en dos guerras mundiales tuvo bastante que ver.

Pero a pesar de esto aún quedan algunos edificios antiguos que se han conservado hasta nuestros días. Es el caso de la Marien Kirche, o iglesia de Santa María, que es la iglesia más antigua de Berlín conservada. Seguir leyendo “Totentanz o danza de la muerte de Berlín”

Lamentación por la muerte de Cristo de Giotto

llanto por la muerte de cristo
Giotto. 1306. Pintura al fresco. Capilla Scrovegni | Fotografía: wikimmedia commons

Esta pintura del genio italiano del Trecento, Giotto, es una de las escenas del programa iconográfico que el artista pintó para el interior de la capilla de los Scrovegni de Padua.

Realizada al fresco entre 1305 y 1306 ocupa la parte central de la pared izquierda de la capilla.

La obra sirve para ilustrar en las paredes de la iglesia el Evangelio según san Juan, 19, 38-42: “ Después de esto, José de Arimatea, que era discípulo de Jesús, aunque en secreto por miedo a los judíos, pidió a Pilato autorización para retirar el cuerpo de Jesús. Pilato se lo concedió. Fueron, pues, y retiraron su cuerpo. Fue también Nicodemo – aquel que anteriormente había ido a verle de noche – con una mezcla de mirra y áloe de unas cien libras. Tomaron el cuerpo de Jesús y lo envolvieron en vendas con los aromas, conforme a la costumbre judía de sepultar. En el lugar donde había sido crucificado había un huerto, y en el huerto un sepulcro nuevo, en el que nadie todavía había sido depositado. Allí, pues, porque era el día de la Preparación de los judíos y el sepulcro estaba cerca, pusieron a Jesús”

La escena se desarrolla con una composición que se articula alrededor del cuerpo de Cristo muerto descendido de la cruz y colocado en posición yacente, en el suelo y sostenido por su madre y las mujeres que lo “encierran” en un círculo formado por el volumen de los cuerpos y que ayuda a incrementar la sensación espacial de la escena inferior.

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Representa una escena en la que el verdadero protagonista es el dolor. Dolor en torno al cuerpo desnudo de Jesús expresado por las personas que lloran su muerte, e incluso por los ángeles del cielo, que también muestran su duelo por la muerte del mesías.

Esta expresión exajerada del dolor es lo que hace del cuadro un ejemplo excepcional por el naturalismo con el que representa esos rostros dolientes y el sufrimiento de las figuras, anticipando un cierto naturalismo y realismo que sitúa a las figuras de Giotto en la modernidad de la pintura de finales de la edad media.

Giotto individualiza a los personajes mostrando diferentes gestos de dolor y posturas, como la de María Magdalena, que sentada en el suelo coge por los pies al muerto.

La composición se enmarca en un paisaje árido con montañas rocosas que incrementan la sensación de desolación de la escena.

Dentro de todas las escenas que pintó Giotto en esta capilla esta es la única que tiene este tono, lo que para muchos estudiosos ayuda aún más a incrementar la sensación de sufrimiento de las figuras que forman parte de esta escena.

La capilla Scrovegni de Padua fue construida en el centro del antiguo anfiteatro de la ciudad en la que numerosos cristianos fueron martirizados. En su interior contamos 38 escenas pintadas por el artista del trecento.

En estas pinturas Giotto rompe definitivamente con la estética “bizantinizante” de la pintura italiana precedente, incluida la de su maestro Cimabue, aunque mantiene elementos heredados de esta pintura, como es su dibujo es firme con contorno y formas perfectamente delimitados y da prioridad a la representación de la figura humana, que pinta macizas y con un sentido plástico y volumétrico de la misma.

Bisonte recostado de Altamira

Cueva de Altamira en Santillana del MarEn un viaje reciente por Cantabria aprovechando la festividad de San Jorge tuve la oportunidad de visitar la neocueva de Altamira, una reproducción de las famosas cuevas en las que se pueden apreciar, como si de la original se tratara, las famosas pinturas rupestres.

El bisonte que vemos en la imagen se sitúa más o menos en el centro de la llamada sala de los polícromos, en la que encontramos la bóveda sobre la que se pintaron numerosos animales y símbolos.

Para diferenciarlo de otros bisontes, el artista de Altamira representa a este animal en actitud de saltar, de revolcarse (hábito que tienen estos animales con objeto de desparasitarse la piel) o de acurrucarse.

El colorido es el mismo que en el resto de los bisontes: rojo arcilloso para el cuerpo conseguido a base de arcillas del suelo de la cueva y negro para los contornos, que obtenían utilizando para dibujar carbón vegetal, el pelo o para señalar las jorobas.

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Recostado en el suelo, este bisonte se creó, como en otros casos de esta misma sala, aprovechando una zona abultada de la techumbre para dar mayor sensación de volúmen a la pintura, al tiempo que se adaptaba al marco “arquitectónico” en el que se dibuja, pues la gran grieta que recorre la sala condiciona la postura de su cabeza, encogida entre sus patas.

Los datos de datación por la técnica del carbono 14 de algunas pinturas de la techumbre (las realizadas con carbón) y los depósitos arqueológicos de la cueva, nos han permitido conocer la edad de estas pinturas, catalogadas entre los 35.000 y los 13.000 años de antigüedad.

Sala de los polícromos de la cueva de AltamiraEste bisonte se sitúa en la parte izquierda de la sala, al igual que la mayoría de los ciervos (especie más representada de la sala) y se corresponden con la época del magdaleniense inferior, es decir en torno a los 14.000 años de antigüedad.

En la parte de la derecha de la cueva es donde se identifican las pinturas más antiguas.

La mayoría de las figuras representadas miden entre 120 y 160 cm de longitud, a excepción de la gran cierva del fondo de la sala que mide casi 2 metros de largo.

En torno al significado de estas pinturas poco o nada podemos asegurar con total seguridad. Se cree que estas pinturas están relacionadas con ritos mágicos de carácter religioso, otras teorías apuntan a que la cueva era un santuario de fertilidad y otros a la creencia de que representando a los animales que utilizaban como fuente de alimentación principal les sería más vavorable la caza de los mismos.

Más allá del signficado que puedan tener estas pinturas la realidad es que no enfrentamos a una representación simbólica compleja, que sólo estaba al alcance de seres vivos con la capacidad cerebral del homo sapiens, motivo por el que son consideradas como las primeras obras de arte hechas por el hombre.

La dictadura de Porfirio Díaz a la Revolución

David Alfaro SiqueirosEste mural es una de las obras que mejor ilustran el compromiso político del muralista mexicano David Alfaro Siqueiros, que desarrolló un estilo personal de estética muy expresionista.

La obra se divide en dos partes segmentadas por los dos muros perpendiculares que le sirven de soporte para los 419 m² de pintura acrílica sobre lienzo y vidrio con técnicas mixtas que conforma el mural que puede contemplarse en el Museo Nacional de Historia de México.

El mural tiene dos partes diferenciadas. Una parte principal en el muro de mayor tamaño en el que representa numerosas figuras confluyendo hacia un espacio que queda en primer plano y una segunda parte de menor tamaño en la que representa al que fuera presidente de México, Porfirio Díaz.

La parte central representa cómo todos los estamentos de la sociedad mexicana: campesinos, mineros, clase trabajadora, etc. confluyen juntos hacia un espacio común: México. Un méxico unido que sólo podrá vencer al capitalismo y al imperialismo si caminan juntos hacia un espacio común que les une y que representa de forma excepcional con los personajes que en primer plano forcejean por hacerse con la bandera del país.

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El personaje de la derecha es el presidente de la empresa minera situada en Cananea (una de las principales regiiones mineras de Mexico), Cooper Co. En el forcejeo intenta arrebatar la bandera a Esteban Baca Calderón, fundador de la Unión Liberal Humanidad y líder de la Huelga de Cananea de 1906.

La marcha es pacífica porque está representada tras los disturbios que ocasionaron numerosas víctimas, todas ellas representadas en el cadáver que portan los que encabezan el grupo de mineros de la izquierda.

Porfirio díaz por SiqueirosEn la parte del mural de menor tamaño encontramos a Porfirio Díaz sentado en una silla pisando con un pie la constitución de 1857. El gobernante observa un espectáculo de mujeres bailando, momento que eligen sus asesores para aconsejarle.

En el extremo derecho una mujer con un vestido rojo fuego simbolizaría a la nación en llamas.

Un compendio de las causas, consecuencias y acontecimientos que David Alfaro Siqueiros supo representar con un estilo muy expresionista, aunque a excepción de los personajes que forcejean es mucho más contenido en la expresión de la violencia y el movimiento que incita la rebeldía y levantamiento de las clases sociales, en plena transformación y evolución en la época.

Para Siqueiros lo que importaba más era la colectividad, el sentimiento de pertenencia a una sociedad, cultura y tradición común, que debe ser el espacio hacia el que confluyan los intereses de todos los mexicanos, imprescindible para conquistar los derechos sociales que se reclamaban en aquella época, y que en algunos casos todavía se reclaman en el país americano.

La barca de Caronte

Parte del fresco del Juicio Final que Miguel Ángel pintó en el altar mayor de la capilla sixtina
Miguel Angel Buonarroti. Capilla Sixtina. Ciudad del Vaticano. 1537-1541. Buon fresco | Fotografía: Wikimmedia Commons

La barca de Caronte es una parte del fresco que Miguel Ángel pintó en el altar mayor de la Capilla Sixtina por encargo del papa Clemente VII para ilustrar el libro del Apocalipsis.

Miguel Ángel diferenció dos partes en este fresco. La izquierda, en la que situa a aquellas personas que ascienden al cielo y la derecha en la que sitúa a aquellas personas condenadas que descienden a los infiernos.

El pintor representra a muchos condenados en el momento de ser arrojados fuera de la barca hacia los ríos de fuego y azufre que discurren por el hades

Representa a Caronte como un monstruo que sujeta el remo no con intención de dirigir la barca a su destino sino como arma amenazadora que obliga a las almas a abandonar su barca en dirección hacia el infierno y provocando en los ocupantes de la barca una huída hacia la parte trasera de la embarcación.

Es destacable que en un conjunto pictórico de clara iconografía católica se incluyera una referencia a la mitología clásica que Miguel Ángel “fusiona” con el concepto de infierno católico que describe San Juan en el Apocalipsis.

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Caronte es según la mitología el barquero del infierno encargado de llevar las almas a través de los pantanos hasta la orilla opuesta del río de los muertos.

Para sufragar el viaje el barquero exigía a cada alma un óbolo, una moneda que se ponía a los difuntos en la boca el día de su entierro.

En caso de no disponer de dicha moneda en concepto de pago eran condenados a vagar durante 100 años por los pantanos de Aqueronte (también conocido como Stige o laguna estigia) hacia las tinieblas donde habita el señor de la muerte, que la religión católica identificó con el demonio.

Miguel ángel utilizó como inspiración las descripciones que Dante Alighieri hizo en los diferentes capítulos de la Divina Comedia especialmente en los cantos del infierno y el purgatorio.

 

La escuela de Atenas de Rafael

Stanza della Segnatura

La Escuela de Atenas es el fresco más conocido del conjunto de pinturas murales que efectuó Rafael en la conocida Stanza della Segnatura, una de las cuatro estancias que servirían de estancias privadas al papa Julio II y que se conocen como estancias de Rafael.

Pintada entre 1510 y 1511 mide un total de 7,7 m de base y alcanza una altura superior a los 5 metros del muro Oeste de la estancia.

El tema de la obra es la Filosofía, representada como una escena que tiene lugar en el interior de una de las escuelas de filosofía de la Grecia Clásica.

Rafael nos muestra cómo cree el que podría ser una escena en el interior de estos espacios, en los que los científicos y pensadores debatirían en el interior de espacios arquitectónicos de estética clásica, con figuras de dioses del panteón griego como Apolo, Minerva o Atenea.

El espacio lo compone con una perspectiva clásica con un punto de fuga en el centro del cuadro, situado tras los dos personajes principales: Platón y Aristóteles.

Platón sostiene una de sus principales obras, el Timeo y Aristóteles una de las suyas, Ética a Nicómaco. Ambos pensadores debaten sobre la búsqueda de la verdad y el método más adecuado para acercarse a ella. Platón señala el cielo que simboliza su idealismo racionalista, mientras que Aristóteles señala señala la tierra apoyando sus tesis en un naturalismo y realismo.

En la escalinata que encontramos en primer plano, delante de los dos personajes, Rafael nos sitúa a distintos pensadores y filósofos de la antigüedad en distintos niveles. Podemos distinguir a pensadores como Heráclito, representado con las facciones del pintor Miguel Ángel como homenaje al pintor florentino tras haber podido contemplar el trabajo que ha materializado en la Capilla Sixtina.

Rafael aprovecha la figura del joven de pelo castaño a la derecha del cuadro para realizar su autorretrato, al lado del pintor Perugino.

La mujer vestida de blanco que encontramos a la izquierda observando al espectador es Hipatia de Alejandría, la pensadora que inspiró a Alejandro Amenábar la película “Ágora”.

Otros personajes como Pitágoras, Epicuro coronado de pámpanos, Euclides midiendo con un compás, Diógenes el apestado “tirado” en las escaleras, Zoroastro y Ptolomeo con el globo terráqueo.

La epopeya de la civilización Americana de Orozco

La épica de la civilización americana
José Clemente Orozco. 1934. Baker Memorial Library
Foto: Wikimmedia

Este panel es uno de los 24 paneles que pintó José Clemente Orozco en la Biblioteca Baker en el Dartmouth College de Hanover, New Hampshire.

Pintado entre los años 1932 y 1934 este mural ocupa un total de 3.200 metros cuadrados en la sala de lectura, donde despliega en un programa iconográfico que es considerado en su conjunto como una de sus obras maestras.

La temática de conjunto de estos frescos hace referencia, tal y como nos indica el título, al impacto de los pueblos europeos sobre los pueblos indígenas de América del Norte y a los horrores de la guerra civil mexicana o la Primera Guerra Mundial.

Algunos autores han querido interpretar los murales como una profecía del propio Orozco, en la que predice el surgimiento de las ideologías militaristas que condujeron a la Segunda Guerra Mundial.

Orozco fue, junto con Rivera y Siqueiros, uno de los responsables de introducir y popularizar el arte mural mexicano en Estados Unidos, con el que llevaron el arte mexicano a la vanguardia del mundo artístico de las principales ciudades norteamericanas.

La temática de los paneles incluye temas como la migración, los sacrificios humanos, la llegada de Quetzalcoatl, el siglo de oro precolombino, Cortés y la cruz, etc.

El panel que hemos seleccionada tiene por título “Los Dioses de la época moderna”.

Con este panel pretende criticar y denunciar la hipocresía de las instituciones académicas y educativas modernas y su indferencia durante las revueltas que tuvieron lugar en la década de 1930. Orozco retrata esqueletos vestidos con birretes y túnicas.

Ante ellos un esqueleto en posición de dar a luz alumbrando un esqueleto, que se identifica con el nacimiento del conocimiento y la ciencia inútil, que centrada en sus propios intereses, termina por servir de poco o nada para mejorar la vida de los mexicanos

Un fondo llameante hace referencia a los navíos de Cortés que trajeron la destrucción al continente americano y los fetos embalsamados sobre tomos polvorientos hacen relación a la inutilidad de la divulgación científica y el conocimiento centrado en sus intereses particulares e indiferentes a la crisis de la civilización moderna .

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