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El éxtasis de Santa Teresa de Bernini

El grupo escultórico que conforma esta obra es una de las obras más importantes de Bernini y una obra capital de la escultura Barroca en Italia por conseguir el máximo efecto de teatralidad en la conjunción de pintura, escultura y arquitectura al servicio de un mensaje único.

Esta obra fue encargada a Bernini por el cardenal Federico Cornaro en 1647 para una capilla funeraria familiar en la iglesia de Santa María della Vittoria, en Roma. Seguir leyendo “El éxtasis de Santa Teresa de Bernini”

La Maison Carrée en Nimes

Templo romano de NimesTambién conocida como “la casa cuadrada” por su traducción al espaol, la Maison Carrée es un templo romano catalogado como corintio y hemiperíptero, que está construido sobre un podio con escalera que da acceso a la única nave de la cella del templo.

Situado en la ciudad francesa de Nimes su planta rectangular mide 26 metros de largo y 15 de ancho con una altura total de 17 metros.

Lo que hace a esta obra excepcional es el hecho de estar construido sobre un podio de paredes verticales y ser pseudoperíptero, es decir, que las columnas que rodean la cella (espacio interior donde se rendía culto al dios del templo) no están exentas, sino que se integran dentro del muro de la propia estancia.

Sus seis columnas del pórtico principal (hexástilo) y que nos encontramos al subir las escaleras, son muy esbeltas y proporcionadas.

Su buen estado de conservación se debe a la ocupación sistemática que sufrió el edificio durante la edad media y moderna, siendo utilizado como iglesia, Ayuntamiento, archivo, museo de la ciudad de Nimes etc. Hoy es sala de exposiciones y Monumento Nacional de Francia.

La Maison Carrée debe su fama a ser considerado por los estudiosos como el paradigma de modelo de templo romano. Los templos romanos estaban claramente inspirados en las construcciones griegas de época clásica y helenística.

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La anécdota es que a pesar de ser mas recientes, de época griega se conservan numerosos ejemplos, mientras que tempos de origen romano conservado hasta la actualidad han sido muchos menos.

Fue construido sobre el antiguo foro de la ciudad entre los años 16 y 12 a.c. por orden de Marco Agripa en la época del fin de la Roma Republicana. El templo está dedicado a los nietos de Augusto, Lucio y Cayo, tal como rezaba una inscripción en bronce que no se ha conservado hasta nuestros días.

Sabemos que el frontón estaba decorado, aunque no se ha conservado nada de dicha decoración escultórica y que seguro contribuiría a mejorar el aspecto del mismo. Si que se conserva decoración vegetal, como hojas de acanto en el friso que recorre el edificio, capiteles corintios o decoraciones forales en las cornisas.

Ventana abierta, Niza, de Raoul Dufy

Open Window, Nice
Raoul Dufy. 1928 Óleo sobre lienzo. 65 x 53 cm. The Art Institute of Chicago | Fotografía: Galería de Flickr de Irina

La semana pasada tuve la oportunidad de visitar la exposición que ha dedicado el museo Thyssen Bornemisza al pintor de origen francés, Raoul Dufy.

Esta muestra, que cierra sus puertas el próximo domingo 17 de mayo, recoge una serie de obras que redescubren la faceta más intimista del pintor. También incluye los interesantes dibujos preparatorios para el Bestiario de Apollinaire, una de sus obras gráficas más reconocidas y valoradas.

Raoul Dufy fue un artista que se formó en el ambiente bohemio del Montmarte de finales del siglo XIX, en plena ebullición artística con la irrupción de las vanguardias posteriores al impresionismo.

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En sus primeras etapas, la obra de Dufy tenía influencia de los pintores impresionistas como Boudin o Camile Pisarro, hasta que visitó el salón de Otoño de 1905 y la obra de Matisse “Lujo, calma, voluptuosidad”, que le llevaron a inclinarse por la estética y presupuestos de la pintura fauvista. Su pintura se hizo más alegre y colorista, con una iluminación muy brillante.

Dufy utilizó el contraste de colores para definir espacios, alejandose de la perspectiva lineal o geométrica. De esta manera consigue dar la sensación de ser una creación espontánea en la que el color predomina claramente sobre el dibujo.

Esta obra representa una vista de la costa azul francesa, motivo recurrente en su obra y en la de Matisse, en la que vemos claramente los rasgos de su pintura fauvista, aunque también nos deja patente su gusto por el decorativismo y la fantasía que le sirvió para trabajar en el diseño textil y posteriormente en la decoración cerámica.

En el interior de la habitación vemos muebles de diferentes y contrastados colores (azules junto a verdes, rojos junto a amarillos, etc.), aunque la verdadera protagonista es la vista del mar que se aprecia por la ventana, cuyo reflejo podemos apreciar en el espejo del armario situado a la derecha. Un reflejo al que parece faltarle la luz del exterior encima de la barandilla y que no hace sino demostrar el alejamiento de la voluntad del artista de hacer una representación fiel del espacio, tal y como demuestra la posición de la mesa cuyas patas dibuja siguiendo una perspectiva diferente a la del tablero, que vemos como si de una vista aérea se tratara.

Una interesante exposición para descubrir a un artista al que le costó cierto tiempo alcanzar la fama en su época pero que es cada día mejor valorado por la singularidad de su estilo y su pintura, difícil de encasillar en uno u otro movimiento artístico.

Bisonte recostado de Altamira

Cueva de Altamira en Santillana del MarEn un viaje reciente por Cantabria aprovechando la festividad de San Jorge tuve la oportunidad de visitar la neocueva de Altamira, una reproducción de las famosas cuevas en las que se pueden apreciar, como si de la original se tratara, las famosas pinturas rupestres.

El bisonte que vemos en la imagen se sitúa más o menos en el centro de la llamada sala de los polícromos, en la que encontramos la bóveda sobre la que se pintaron numerosos animales y símbolos.

Para diferenciarlo de otros bisontes, el artista de Altamira representa a este animal en actitud de saltar, de revolcarse (hábito que tienen estos animales con objeto de desparasitarse la piel) o de acurrucarse.

El colorido es el mismo que en el resto de los bisontes: rojo arcilloso para el cuerpo conseguido a base de arcillas del suelo de la cueva y negro para los contornos, que obtenían utilizando para dibujar carbón vegetal, el pelo o para señalar las jorobas.

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Recostado en el suelo, este bisonte se creó, como en otros casos de esta misma sala, aprovechando una zona abultada de la techumbre para dar mayor sensación de volúmen a la pintura, al tiempo que se adaptaba al marco “arquitectónico” en el que se dibuja, pues la gran grieta que recorre la sala condiciona la postura de su cabeza, encogida entre sus patas.

Los datos de datación por la técnica del carbono 14 de algunas pinturas de la techumbre (las realizadas con carbón) y los depósitos arqueológicos de la cueva, nos han permitido conocer la edad de estas pinturas, catalogadas entre los 35.000 y los 13.000 años de antigüedad.

Sala de los polícromos de la cueva de AltamiraEste bisonte se sitúa en la parte izquierda de la sala, al igual que la mayoría de los ciervos (especie más representada de la sala) y se corresponden con la época del magdaleniense inferior, es decir en torno a los 14.000 años de antigüedad.

En la parte de la derecha de la cueva es donde se identifican las pinturas más antiguas.

La mayoría de las figuras representadas miden entre 120 y 160 cm de longitud, a excepción de la gran cierva del fondo de la sala que mide casi 2 metros de largo.

En torno al significado de estas pinturas poco o nada podemos asegurar con total seguridad. Se cree que estas pinturas están relacionadas con ritos mágicos de carácter religioso, otras teorías apuntan a que la cueva era un santuario de fertilidad y otros a la creencia de que representando a los animales que utilizaban como fuente de alimentación principal les sería más vavorable la caza de los mismos.

Más allá del signficado que puedan tener estas pinturas la realidad es que no enfrentamos a una representación simbólica compleja, que sólo estaba al alcance de seres vivos con la capacidad cerebral del homo sapiens, motivo por el que son consideradas como las primeras obras de arte hechas por el hombre.

San Jorge y el Dragón de Tintoretto

Tintoretto
Tintoretto. 1550. Óleo sobre lienzo. 157 x 100 cm. National Gallery de Londres | fotografía: Wikimmedia commons

Con motivo de la celebración del día de San Jorge os proponemos otra obra que trata el tema de la leyenda de la lucha del santo con el dragón.

El año pasado comentamos un San Jorge de Rafael que ejemplificaba perfectamente la pintura renacentista del genio del Renacimiento. Este año vamos a comentar una obra sobre San Jorge pero vamos a “avanzar” en la historia del arte unos años y nos vamos a desplazar a uno de los centros de arte más importantes de la segunda mitad del siglo XVI: Venecia.

Esta obra del pintor italiano Tintoretto muestra la escena de San Jorge de una manera muy original.

En lugar de situar en primer plano al héroe luchando contra el dragón desde lo alto de su caballo y nos lo muestra en el fondo del cuadro, reservando el primer plano para situar a la princesa que huye aterrada de la escena.

La representación de la princesa le sirve al pintor para demostrar su dominio del color y la técnica veneciana de representación de las telas al viento que forman una diagonal opuesta a la diagonal que forma la lanza de San Jorge clavándose en el dragón y que produce una sensación de movimiento en zigzag muy dinámica y típica de la época manierista.

La mujer corre hacia el espectador mientras gira su cabeza hacia atrás y dirige la mirada del espectador hacia la escena de San Jorge matando al dragón.

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Esta leyenda de Jacopo de la Vorágine es una de las más populares y nos remite al Santo jorge de Capadocia, que vino a salvar a la población del sometimiento a que tenía el dragón a una población.

El dragón anidó en la fuente que abastecía de agua a la ciudad y sólo permitía obtener agua de la misma a cambio de un sacrificio humano diario, que el pintor representa en el hombre muerto situado al lado de la escena de San Jorge matando al Dragón.

La escena tuvo lugar el día que fue seleccionada una princesa como víctima por el dragón, lo que desencadenó la lucha del oficial romano (San Jorge) con el mismo y el salvamento de la princesa.

Esta escena muy usual en la historia del arte ha sido tradicionalmente vista como un símbolo de la lucha entre el bien y el mal de la que siempre sale victorioso el bien.

Al fondo del cuadro un paisaje con una perspectiva aérea perfectamente ejecutada con un cielo del que “emerge” Dios Padre bendiciendo la victoria sobre el dragón y que cuenta la leyenda dorada de Jacopo de la Vorágine que sirvió para que, tras los acontecimientos, los habitantes de la ciudad abrazaran el cristianismo.

El violinista celeste de Marc Chagall

Chagall
Marc Chagall. 1934. Gouache sobre papel. 65 x 52 cm. Museu Municipal de Tossa de Mar | Fotografía: donmirkobellora

Esta obra del pintor bieloruso Marc Chagall es una de las que se conservan en nuestro país, concretamente en el museo municipal de Tossa de Mar.

Marc Chagall veraneó unos años (1933 y 1934) en esta localidad de la Costa Brava catalana y en agradecimiento por el trato recibido por la ciudad donó una obra como recuerdo que puede verse actualmente en el museo de la ciudad.

Chagall fue un pintor judío de origen ruso que pronto se trasladó a París para empaparse de las vanguardias y aprender del ambiente bohemio y artístico del barrio de Montparnasse, aunque tras un periodo de tiempo vuelve a su ciudad natal donde funda y dirige la escuela de artes.

Comprometido con la revolución de 1917 se integra en el movimiento para pocos años más tarde, desencantado por la sucesión de los acontecimientos, y ya terminada la I Guerra Mundial, regresar de nuevo a París, donde se instala en 1923. Por su condición de judío, tras la ocupación alemana de Francia tuvo que huir a EE.UU en 1941.

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Su obra optimista y fantasiosa está conectada con diferentes corrientes del arte moderno que la hacen inclasificable hasta cierto punto.

En este violinista celeste retoma un motivo que para el es muy importante y que repetirá a lo largo de su obra: el violinista.

Para Chagall el violinista es la ilustración del buen humor y la alegría de vivir, que entiende como la única vía para la supervivencia y el mantenimiento de los valores que tanto pesan en la tradición judía, amenazada aquellos años por la barbarie nazi.

En este caso vemos a un violinista volando por encima de los tejados de una aldea tranquila en un día soleado, mientras se cuela por la ventana de una casa, que le abre sus contraventanas de color azul, muy frecuentes en el ámbito mediterráneo.

El colorido vivo e intenso de esta obra es caracteristico de su obra, y es el medio que el artista utilizaba para comunicar ese optimismo y felicidad que transmiten sus obras a quién las contempla.

Aunque algunos han querido ver en el violinista al propio pintor, por su gusto por incluirse en sus obras a modo de espectador de las escenas que representa, esta teoría no está contrastada en ninguno de los cuadros que pintó con este motivo, y pintó muchos.

Chagall cultivó durante más de ochenta años un arte inspirado en el amor, los recuerdos, las tradiciones rusas y judías, los acontecimientos históricos o los hitos artísticos de los que fue testigo y, en muchas ocasiones, entre las que para algunos éste sería un ejemplo, se sitúa él mismo como protagonista de la obra.

Psique reanimada por el beso del amor

Escultura neoclásica de Antonio Canova
Antonio Canova. 1793. Mármol. 155 x 168 cm.  Musée du louvre | Fotografía: Wikimmedia Commons

 

Esta escultura neoclásica del escultor italiano Antonio Canova que se conserva en el Museo del Louvre fue iniciada por el artista en 1787 y terminada en 1793.

La escultura representa el instante en el que Eros, representación del amor, despierta a Psique, representación del alma, de su sueño tras cumplirse la maldición de la esposa de Plutón, Proserpina, al romper psique el jarrón de ésta.

Para Canova el objeto de la escultura no era representar el mito ni la historia que hay detrás de los personajes, que son una mera excusa para componer una obra de marcado carácter clásico sino sobre todo desde el punto de vista estético.

El escultor busca representar la pasión y el amor de dos personajes en lo que es un conjunto bastante “teatral” y efectista, como lo demuestra el abrazo imposible en el que se intentan fundir las figuras de Eros y Psique.

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La composición de las figuras en el conjunto no es casual. El artista intenta centrar la atención en las cabezas de las figuras un instante antes de besarse. Para conseguirlo intenta hacer converger las líneas que conforman las alas y las piernas de Eros, que se juntan a la altura de las cabezas de las figuras, en la convergencia de ambas líneas (que conforman una “X”).

La elección del mármol es interesante desde el punto de vista del contrapunto entre la frialdad del material elegido y lo que representa en la imagen, que pretende recoger sensaciones como la calidez, la ternura y el erotismo entre las figuras.

Para Canova la inspiración es directamente la antigüedad grecorromana (más romana que griega) en una época en la que se vuelve la mirada directamente hacia la antigüedad, evitando la “contaminación” de lo clásico tal como se reinterpretó en el Renacimiento.

Esta vuelta a los valores y las formas de la antigüedad clásica acerca las obras de Canova a la perfección de las formas desde el punto de vista del clasicismo, con el gusto por las representaciones de figuras desnudas en mármol muy pulimentado y perfectamente perfiladas y cinceladas, además de utilizar temas mitológicos como objeto de las obras.

En este caso se remite al mito del Asno de oro en el que se nos cuenta que Psique, la menor de tres hermanas, sobresalía por su belleza respecto a éstas.

Cuando Psique se convierte en mujer se comparó su belleza con la de Afrodita, quién ante la amenaza que suponía para la supremacía de su belleza pidió a su hijo Eros que matara a psique convertido en un enorme monstruo.

Cuenta la leyenda que en el momento de la aparición de Eros convertido en monstruo, un viento de Céfiro “transportó” a psique a un valle en el que se durmió a la espera de que ser despertada en un mundo dominado por la belleza y la opulencia.

Tras sufrir una serie de maldiciones e infortunios Zeus finalmente fue benévolo con la pareja y desencantó a Psique (a petición de Eros), que se despertaría de su profundo sueño en brazos de su amado Eros, a quién se unió para siempre en cuerpo y alma.

Canova representa el momento exacto en el que la pasión de Eros llega a la boca de Psique, que comienza a despertar en sus brazos como resultado y culminación del amor y que resume la obra del escultor italiano, que demuestra su virtuosismo en el tratamiento del mármol y el conocimiento de la antigüedad clásica y la estética de inspiración grecorromana.

2 años de tuitearte

Segundo aniversario de tuitearte

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Hoy, 2 de mayo se cumple nuestro segundo año de andadura.

Han sido 328 obras de arte comentadas que con mucho esfuerzo hemos ido publicando y complementando con 5195 tuits en nuestro perfil de twitter, que han podido disfrutar nuestros 3212 seguidores de la plataforma de microblogging-

Durante el último año hemos potenciado también nuestra página de Facebook, en la que ya pueden ver nuestras actualizaciones nuestros 1277 fans.

En total, en nuestros dos años de existencia, más de 110.000 visitas de 95.000 visitantes únicos que se han pasado una media de 6 minutos en las más de 260.000 impresiones de pantalla que han efectuado.

No somos muy amigos de las actualizaciones en las que sólo se habla de nosotros mismos, pero estos hitos así lo requieren. Lo acompañamos en todo caso de una revisión de nuestra píldora, que tratándose del día que empezamos no podía ser otra que el cuadro de Goya titulada “el 2 de mayo”.

Sólo tres cosas que decir: gracias por leer nuestra propuesta de contenidos, os invitamos a continuar leyendo unas actualizaciones que cada día nos esforzamos por mejorar y hacer llegar a más personas y os pedimos disculpas por adelantado porque vamos a cambiar la web y es posible que durante algunas semanas haya algunas interrupciones y problemas técnicos que esperamos minimizar al máximo.

Encantados de SaludARTE[/success]

 

 

 

 

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