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Médicis

Gorgona Medusa de Caravaggio

Esta obra de Michelangelo Merisi, más conocido como el “Caravaggio” es una de las joyas del Museo de los Uffizi de Florencia.

Se trata de un lienzo colocado en un soporte diferente a un bastidor tradicional para una pintura de caballete. El artista pintó la obra y la aplicó sobre un escudo o rodela redondo. Seguir leyendo “Gorgona Medusa de Caravaggio”

La primavera de Boticelli

Boticelli
Sandro Boticelli. 1478. Temple al huevo sobre tabla. 204 x 314 cm. Galeria Uffizi. Florencia
Foto: wikimmedia

La primavera es junto a el nacimiento de Venus una de las obras fundamentales de Boticelli, del Quatroccento y de todo el Renacimiento italiano.

Más allá de la belleza y el profundo y complejo significado de la obra, destaca también por sus dimensiones, ya que no es frecuente encontrar tablas pintadas en temple al huevo con unas dimensiones como las que tiene éste cuadro, que abarca una superficie superior a los 6 metros cuadrados -204 x 314 cm-, y en el que las figuras son de dimensiones casi reales.

A pesar del formato monumental el detallismo está presente en todas las figuras y símbolos que articuló en la obra, tales como el caso de Mercurio, la empuñadura de su espada o los broches de las vaporosas y transparentes túnica de Las Tres Gracias.

La obra hay que entenderla en el contexto cultural y filosófico de la Florencia de los Médicis, una época en la que la vuelta al clasicismo y al neoplatonismo caracterizan a las obras de los genios del renacimiento, que encuentran en este “respaldo” filosófico una excusa para mejorar la consideración social de los artistas, que ya en ésta época empiezan a librarse del yugo de los gremios.

Su significado ha suscitado numerosas teorías, que más allá de las posturas que defienden, coinciden en la importancia de la atmósfera mitológica con la que Boticelli rompe con la temática religiosa que había predominado en la pintura del treccento y el duocento.

Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. La composición se organiza en torno a la figura de Venus en el centro del cuadro en el que el fondo arbolado y plano con una acentuada verticalidad conseguida gracias a los troncos de los árboles, entre los que se encuentran los naranjos, relcionados con la familia Médicis.

A la derecha de Venus encontramos a las tres gracias bailando al lado de Mercurio que recoge una naranja del árbol.

En el otro lado, a la izquierda de Venus, representó a Flora y a Cloris -ninfa habitualmente asociada a Flora- que es perseguida por su marido, el dios Céfiro. Ambos personajes aparecían también en el cuadro “el nacimiento de Venus”.

A pesar de la temática de la obra, se cree que los modelos que utilizó para los personajes fueron personas reales: Caterina Sforza (la gracia de la derecha), Semiramide Appiani (la gracia de la izquierda) y la famosa Simonetta Vespucci, que fue una modelo presente en otras obras de Boticelli.

Entre las numerosas interpretaciones se cuenta que Mercurio representa a Julio de Médicis -hijo de Lorenzo de Médicis– y que una de las gracias, que observa atentamente a Mercurio, sería la amante del propio Julio de Médicis. Más allá de fantasías y teorías, la interpretación exacta del conjunto nunca la conoceremos, y de ahí viene buena parte del misterio y atractivo de la obra.

INFORMACIÓN ADICIONAL

El David de Miguel Ángel

Florencia Pazza Della Signoría
Miguel Ángel Buonarroti. 1504. Galería de la Academia. Florencia
Foto: usuario Flickr Robert Scarth

Un Bloque de mármol de Carrara de 5 metros de altura, abandonado desde 1464, y tras varios intentos fallidos de darle forma por parte de escultores florentinos, le sirvió a un joven Miguel Ángel para consagrarse como el mejor escultor de todos los tiempos.

Miguel Ángel presiona a los responsables del Duomo para que le encarguen la realización de una escultura utilizando el maltrecho bloque de mármol, que para entonces contaba con profundas grietas.

Contraposto
Copia. Plaza della Signoria
Foto: Panocho 1000

Le encargan la obra en Agosto de 1501, y el 18 de septiembre ya está trabajando en ella. 3 años más tarde es colocada en la Piazza della Signoria de Florencia.

Actualmente en este emplazamiento hay una copia. La original fue trasladada a la Galería de la Academia de Florencia, donde se exhibe en la actualidad, para salvaguardarla de las inclemencias del tiempo.

La idea de Miguel Ángel de la escultura pasaba por dotar a cada bloque de mármol de un alma interior, que correspondía al escultor “liberar”.

Las complicaciones que le planteó el bloque de mármol, con las grietas, fracturas y fallas que presentaba condicionaron el resultado final, que según Miguel Ángel fue el que tenía que ser pues ese era el David que había “dentro” del Bloque.

El Gran hueco que presentaba el bloque de piedra en su flanco izquierdo hizo que el David se tuviera que apoyar en su pie derecho, generando un contrapposto que dotó a la figura de gran movimiento, acentuado por la postura de la cabeza y los hombros, girados a izquierda y derecha respectivamente, y en sentido opuesto a sus caderas.

terribilitá
Detalle del rostro
Fotografía

Este recurso consigue dar sensación de máxima tensión muscular y contención propias del momento en el que está representado el personaje, previo a su enfrentamiento con el gigante  Goliat.

Las proporciones de la figura no se corresponden con las de una persona adulta. Su cabeza, manos y torso son más grandes de lo normal porque representa a un adolescente en pleno desarrollo corporal y muscular, y porque al estar concebida inicialmente para ser colocada a cierta altura, el emplazamiento en estas condiciones requiere hacer correcciones en las proporciones para que la percepción desde abajo sea correcta.

El rostro del David representa un rasgo de la producción escultórica de Miguel Ángel que posteriormente desarrollaría en las figuras de la tumba de Julio II, y especialmente en El Moisés: La terribilitá, que es la representación de una emoción de ira contenida, rabia y vigor en la mirada de los personajes, y que aparece por primera vez en El David, representando la tensión del personaje esperando el momento oportuno para atacar a Goliat.

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